El próximo 16 de diciembre se conocerán las 15 finalistas que pasan a la segunda ronda que competirán por un Oscar en la categoría de Mejor Película Internacional. Para después conocer a las cinco nominadas que serán anunciadas el próximo 22 de enero del 2026. Son 86 naciones que han sido aceptadas por la Academia para la 98 edición de la entrega de las estatuillas doradas.

Como sabrán esta nominación sigue tomando cada vez más fuerza, y se espera que el próximo año sea la competencia más internacional que hayamos visto hasta ahora. Así que hagamos un repaso de las películas que han sido seleccionadas de nuestra región, y España. El año pasado solo una entró entre las finalistas (Brasil) y por último se coronó con el Oscar, esperamos que este año entren más.

Las Seguras

Brasil: El Agente Secreto (Kleber Mendonça Filho). Finalista: 1 | Nominaciones: 5 | Oscares: 1

Hace un año se coronaron con I’m Still Here provocando una euforia alrededor del mundo (la antipatía en contra de Emilia Pérez era difícil de ignorar), y en el 2026 parece que van encaminados a la misma gloria. Ganador de tres premios en el pasado Festival de Cannes, este thriller político tiene todo para ganar no solo esta categoría sino colocarse dentro de Mejor Película, Mejor Actor con un excelente Wagner Moura y hasta posiblemente uno en la dirección para Mendonça Filho. Su distribuidora Neon la estrenó hace una semana, y se puede apreciar en Nueva York y Los Angeles actualmente.

España: Sirāt (Oliver Laxe). Finalista: 3 | Nominaciones: 21 | Oscares: 4

Otra de las grandes cartas que tiene la distribuidora Neon bajo sus manos, es un thriller de suspenso que narra la travesía de un padre en busca de su hija en un rave que se desarrolla en el desierto marroquí. Ganadora de un premio en Cannes, la cinta española también está llamando poderosamente la atención en la categoría de Mejor Banda Sonora. Ya veremos si logra esa nominación, pero lo que sí es un hecho es que veremos a Sirat dentro de las 15 finalistas. Se espera su estreno el próximo año.

Con Amplias Posibilidades

Colombia: Un Poeta (Simón Mesa Soto). Finalista: 1 | Nominaciones: 1

Otra ganadora en Cannes, esta tragicomedia explora los altibajos de un poeta deprimido, en cual no puede vivir de su arte hasta que conoce a una adolescente. Con el apoyo de una nueva distribuidora, 1-2 Special, el segundo filme de Mesa Soto, se estrena el 31 de enero en Nueva York y Los Angeles (los boletos pronto se podrán comprar). Los comentarios de quienes la han visto juran que tiene todo para colocarse entre las finalistas, y así lo esperamos.

Argentina: Belén (Dolores Fonzi). Nominaciones: 7 | Oscares: 2

Basada en un libro, el filme en un drama de tipo legal que explora la injustia que sufre una mujer al ser encarcelada por proporcionar un aborto de manera ilegal. Fonzi en su segunda producción como directora, también es co-protagonista aquí. El empuje de su poderosa distribuidora Amazon Prime, es notorio ya que la ha colocado en la conversación general de la competencia. También ayuda que está disponible en todo Estados Unidos a través de esta plataforma.

Posibilidades Remotas

Chile: La Misteriosa Mirada del Flamenco (Diego Céspedes). Finalista: 1 | Nominaciones: 2 | Oscares: 1

Otra ganadora en Cannes que terminó por opacar a La Ola (Sebastián Lelio), ya que todo mundo daba por hecho que representaría a Chile. Así tenemos un relato a través de la mirada de una pequeña huérfana, y la relación de un grupo de travestis con unos mineros del desierto de Atacama ante la llegada del VIH en la década de los 80. Altered Innocence se ha encargado de su distribución en Estados Unidos y se estrena este fin de semana en Nueva York (solo dos funciones).

México: No Nos Moverán (Pierre St Martin Castellanos). Finalista: 5 | Nominaciones: 9 | Oscares: 1

Al igual que una de las grandes favoritas de este año la iraní, It was just an Accident que representa a Francia, la película mexicana (en blanco y negro) es también un drama de venganza con tintes de humor negro y con plantamientos similares, pero diferente en su ejecución y estética. A pesar del impulso que ha proporcionado en los últimos días Cinema Tropical, su distribuidora, ha sido difícil colocarla en medio de la conversación mediática en este año tan competitivo y dominado por una sola distribuidora (Neon). Sin embargo, al igual que la chilena, bien podría dar la sorpresa y entrar a las 15 finalistas.

Sin Muchas Posibilidades

República Dominicana: Pepe (Nelson Carlos de los Santos Arias)

Pensamos que este docudrama sobre un hipopótamo salvaje en Colombia, ganador al Mejor Director en el Festival de Berlín del año pasado sería la seleccionada de ese año, pero sorprendentemente fue seleccionada para representar a la nación caribeña en este 2025. Se encuentra disponible en una plataforma de películas bastante conocida.

Uruguay: Agarrame Fuerte (Ana Guevara y Leticia Jorge)

Después de su triunfo en el Festival de Tribeca, y de una nominación a los Premios Goya de España como Mejor Película Iberoamericana, pensábamos que este drama sobre la amistad femenina obtendría distribución en Estados Unidos, pero hasta ahora no ha sucedido.

Costa Rica: El Monaguillo, el Cura y el Jardinero (Juan Manuel Fernández Escoto)

Este documental gira entorno a los testimonios de dos hombres, y su búsqueda por justicia tras denunciar los abusos sexuales que sufrieron por parte de un cura católico.

Perú: Kinra (Marco Panatonic). Nominaciones: 1

Se estrenó a finales del 2023, y ha tenido una participación a lo largo de este tiempo en varios festivales de cine. La ópera prima de Panatonic cuenta el drama de un chico de Cusco, quien anhela ser ingeniero pero no quiere dejar a su familia sola.

Panamá: Querido Trópico (Ana Endara). Finalista: 1

Con la participación de la gran actriz chilena Paulina García, este drama explora la relación entre la jefa de la casa, quien comienza a tener indicios de demencia y la mujer que la cuida, una migrante colombiana. A pesar de que esta coproducción ha permanecido en el circuito de festivales desde su estreno en Toronto en 2024, sigue sin estrenarse en este país.

Bolivia: La Casa del Sur (Carina Oroza y Ramiro Fierro)

Entre nuestros pronósticos creíamos que Bolivia mandaría la película El Ladrón de Perros, pero en un giro inesperado optaron por esta coproducción colombiana que se centra en el drama del regreso de una exiliada a tierras andinas después de varios años.

Ecuador: Chuzalongo (Diego Ortuño)

Una película de terror y fantasía que se basa en una leyenda andina del mismo nombre. Aunque se convirtió en la cinta ecuatoriana más taquillera del año pasado, no le vemos con muchas posibilidades para entrar a la siguiente ronda. Carece de distribución en Estados Unidos.

Haíti: Kidnapping Inc (Bruno Morrai)

El año pasado todo mundo pensó que este país caribeño regresaba a la competición, cuando al final la Academia anuló su participación al no cumplir con alguna regla. Y bueno en este 2025 están de regreso, y con la misma cinta que se estrenó durante el Festival de Sundance en 2024. La ópera prima de Morrai es un thriller de suspenso cómico, que como su título bien lo señala se trata de un secuestro y las peripecias que suceden alrededor de éste. Disponible en Amazon Prime.

Paraguay: Bajo las Banderas, el Sol (Juanjo Pereira)

El segundo documental de la región trata sobre la dictadura de Alfredo Stroessner, mediante audiovisuales olvidados y antes no vistos. Ganador de un premio en el Festival de Berlín, no sorprendería que llegará el próximo año al MoMA durante su ciclo de documentales.

Venezuela: Alí Primera (Daniel Yegres). Finalista: 1

Un filme biográfico sobre la trayectoria del cantautor venezolano, y su impacto musical y social. Sin distribución en Estados Unidos.

Hace unos días comenzó el tributo que el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York preparó —en conjunto con varias instituciones mexicanas—, para una de las actrices más emblemáticas de la Epoca de Oro del cine mexicano: María Félix. Con una retrospectiva de 13 largometrajes, María Félix: La Doña da cuenta de lo fructífera que fue su carrera, no solo en su país natal, sino a nivel internacional y que se proyectarán hasta el 27 de julio.

Como bien saben, La Doña no es santa de mi devoción cinematográfica por múltiples razones, pero entiendo su veneración entre los más aguerridos cinéfilos de hoy y antaño, y de su estatus de ícono del cine nacional. Al apreciar algunas de las cintas en esta muestra por primera vez, entendí su estilo y del porqué de su éxito, de su poder en la pantalla grande, e incluso notar cuando se está dirigiendo así misma, empero también me reafirmaron sus debilidades como actriz.

Aunque la Doña nunca lo aceptó, sus mejores actuaciones siempre ocurrieron cuando tenía al lado a grandes actores que elevaban su presencia y estilo, (aunque claro terminaban por robarle las escenas). Así que mis recomendaciones van más allá de la personalidad o dotes histriónicos de La Doña, me concentro en el aporte de la gente detrás de la cámara, y de aquellos actores que contribuyeron en la construcción de la Epoca de Oro del cine mexicano, así como de este mito cinematográfico que sigue vivo y llamamos María Félix.

La Diosa Arrodillada (México, 1947). Dirigida por Roberto Gavaldón

Una escultura blanca de una mujer desnuda arrodillada, provoca un deseo desenfrenado en Antonio, un atormentado ingeniero químico (un extraordinario Arturo de Córdova). “No es más que una simple mujer de rodillas como les gusta ver a todos los hombres ver a los mujeres”, asegura Raquel (María Félix), la modelo que sirve de inspiración para esta obra de arte, quien no es más que la antigua amante del ingeniero.

En su octava película, Gavaldón nos ofrece un clásico melodrama psicológico con tintes de cine negro (noir). Es una historia de obsesión y pasión en el que La Doña encarna a una femme fatal, que lo mismo trabaja de modelo que de cantante de cabaret, cuyo derroche de sensualidad provoca una fuerte atracción entre los que quieren seducirla. Sin embargo, su ambición va más allá del título de amante que le incomoda: “te entregas a mí o me destruyes, no hay términos medios”. Con esa advertencia Antonio tendrá que decidirse entre su esposa enferma o la sensual Raquel. La Doña brilla con un erotismo sútil, como pocas veces se le ha visto en la pantalla grande (gracias a la lente de Alex Phillips) y aprovecha a la perfección las excelentes líneas que Gavaldón y el gran José Revueltas, escribieron para ella.

19 de julio, 4:00 p.m. | 26/07, 7:00 p.m.

Río Escondido (México, 1948). Dirigida por Emilio Fernández

Después de varios años de ser la femme fatal y la devoradora de hombres del cine mexicano, La Doña apuesta por su segunda colaboración con el cineasta Emilio Fernández —la primera fue Enamorada (1946) y que también esta incluída en esta muestra—, y el resultado es bastante loable (gracias en parte al cinematógrafo Gabriel Figueroa). Quizás para muchos la historia de Rosaura Salazar, una maestra de primaria, a quien el presidente de la nación le encomienda llevar los ideales del México post revolucionario a los más necesitados y distantes de la capital, pueda sonar un tanto paternalista o nacionalista, pero en su momento era lo indicado.

La Félix personifica con toda solidez a esa nueva mujer, fruto de la Revolución Mexicana, educada, independiente, idelista y porque no decirlo, hasta feminista. Nada podrá detenerla de su responsabilidad ante su país: ni un cacique sanguinario (Carlos López Moctezuma), el clima opresor de la zona, la falta de agua potable y servicios médicos, o una enfermedad mortal. Su trabajo como Rosaura, es fascinante; lo que comienza con una frágil actuación, termina por desatar todo un poder en la pantalla que solo Fernández pudo aprovechar y Figueroa de retratar de manera extraordinaria. Las historias de Fernández y su guionista de cabecera Mauricio Magdaleno, siempre se han resaltado por engalanar la identidad mexicana sin caer en la vulgaridad, y Río Escondido es un clásico de la cinematografía de ese país que se resiste al olvido.

18 de julio, 4:00 p.m. | 25/07, 7:00 p.m.

Maclovia (1948). Dirigida por Emilio Fernández

Emilio Fernández no solo es recordado como uno de los grandes directores del cine mexicano, sino como uno de los pocos cineastas (Gavaldón, es otro) que sacó lo mejor de La Doña, y Maclovia es un gran ejemplo. Aquí Félix desaparece por completo de la pantalla, para dar vida a una indígena purépecha. Filmada con una belleza indiscutible en el estado de Michoacán, la historia se centra en el amor imposible de un pobre pescador (un extraordinario Pedro Armendáriz) y Maclovia (Félix), hija del líder indígena (Miguel Inclán), quien se niega a aceptar tal relación. El fracturado amor se verá afectado cuando llegan las fuerzas armadas a esta comunidad, así como de los usos y costumbres indígenas que se resisten a la infiltración foránea.

Si bien la mexicana tiene dificultades actorales para quitarse el peso de La Doña, su interpretación delicada de Maclovia, es asombrosa. Los primeros planos tanto de ella, como del resto de los actores son de una belleza indescriptible, y ni qué decir de las locaciones en el lago de Pátzcuaro, y las celebraciones del Día de los Muertos, todo finamente fotografiado por uno de los más grandes cinematógrafos que haya dado México: Gabriel Figueroa. El elenco actoral, así como de la gran cantidad de extras que participaron, son parte de los grandes tributos de este filme. Columba Domínguez está increíble como antagonista de La Doña, y los siempre confiables de Carlos López Moctezuma y Miguel Inclán, estaban en su mejor momento.

Sin duda, Maclovia es una de mis favoritas de la muestra y que a diferencia de Tizoc (una de las cintas más racistas del cine mexicano, y que también está en este ciclo), nunca se convierte en una caricatura de la cultura indígena, y para aquellos que podrían criticar a la Doña —con justas razones— por personificar a una mujer indígena, la realidad es que su padre fue de ascendencia Yaqui, comunidad que fue casi exterminada por la dictadura de Porfirio Díaz.

21 de julio, 4:00 p.m. | 27/07, 1:00 p.m.

French Cancan (Francia, 1954). Dirigida por Jean Renoir

¿La Doña en francés? Un clásico de la cinematografía francesa no se podía escapar de los encantos de la mexicana. En este musical, ella personifica a Lola de Castro, quien en esencia es una bailarina exótica a la Tongolele o Ninon Sevilla (es ampliamente conocido que los franceses estaban obsesionados con el cine de rumberas y cabareteras) y mantiene una relación con el empresario Henri Danglard (Jean Gabin, excelente), cuya misión no solo es poner de moda al cancán de nuevo, sino buscar a la próxima estrella de lo que será el cabaret Moulin Rouge.

A pesar de no ser la protagonista joven, La Doña demuestra su gran presencia y se desarrolla con plena seguridad en un idioma que no es el suyo, además deja ver unos dotes cómicos que difícilmente le tocó explorar en el cine mexicano. La última secuencia de la cinta es todo un espectáculo colorido y de una precisión única, que inmortalizó a Renoir como uno de los grandes directores de su país.

16 de julio, 4:30 p.m. | 22/07, 4:30 p.m. | 27/07, 4:00 p.m.

Doña Diabla (1950). Dirigida por Tito Davison

Conocida por muchos como la Mildred Pierce (1945, USA) mexicana, es un melodrama noir exquisito, en donde al igual que Joan Crawford, La Doña tiene que lidiar con un triángulo amoroso entre su hija (Perla Aguiar) y su amante (Tito Junco). Y no solo eso, Doña Diabla luce el mismo abrigo que Crawford usó cinco años antes en las escenas claves de su película. Sin embargo, esta villana mexicana no está interesada en hacer pasteles ni pollo frito como Mildred para sacar a su hija adelante, ella va más allá de la típica superación personal hollywoodense.

Ella pretende ser una diseñadora de vestidos (el desfile de modas es uno de los más fabulosos que el cine mexicano nos haya dado), y usa su poder femenino como más le conviene. Doña Diabla, la cual estuvo en competencia en el Festival de Cannes de 1951, marca la segunda colaboración (la primera fue Que Dios me Perdone, también en esta muestra) entre la Félix y el director chileno residente en México, Tito Davison, quien explota de manera deliciosa el estereotipo que la misma La Doña construyó a lo largo de su carrera: la devoradora de hombres.

16 de julio, 7:00 p.m. | 23/07, 4:30 p.m.

MoMA (11 West, 53th St.) $14

A seis años del estreno de su primer largometraje Canción sin Nombre (2019) en la sección Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, la directora Melina León, siendo hasta ahora la única mujer peruana en haber presentado su trabajo en la codiciada cita cinematográfica, reflexiona en entrevista sobre el trayecto de exhibición y el impacto de su película, así como también habla de sus nuevos proyectos en el séptimo arte, uno al que define como un documental thriller, y la adaptación del libro Retrato Huaco.

Con casi una treintena de galardones, Canción sin Nombre —que relata el drama de una joven andina (Pamela Mendoza) que con engaños le roban a su recién nacido, así como su búsqueda por justicia durante los años 80 en Lima, Perú—, se puede apreciar por primera vez desde comienzos de mes en la plataforma de cine MUBI en Estados Unidos. De cara al inminente festival francés, esta compañía presenta en su repertorio varias películas de directores latinoamericanos (Lucrecia Martel, Carlos Reygadas, Lucía Puenzo, Lisandro Alonso, Andrés Ramírez Pulido, Raúl Ruiz, César Augusto Acevedo, Amat Escalante, entre otros), que han desfilado en esa justa en los últimos 18 años, y a los que se suma la cineasta peruana con su ópera prima. “Estamos en buena compañía”, asegura durante una entrevista en una cafetería de Harlem, en Manhattan. “Me entusiasma que siga el viaje de la película, que se siga viendo y apreciando”.

A León, quien reside en Nueva York en donde es profesora en la Universidad de Columbia, ya no le asombra que tanto la prensa, así como algunos sectores de la industria cinematográfica mantengan un interés continúo por su primer largometraje. “Me sorprendió en una época, pero ya no”, confiesa. “Lo acepto con mucho amor. Ha sido una película que le ha gustado a las personas, y eso solamente me trae agradecimientos.”

El recorrido de la ópera prima de la peruana comenzó con el pie derecho con su participación en el Festival de Cannes, lo que dio paso a conseguir distribución no solo en Europa, sino en Estados Unidos y en Japón. Asimismo se adjudicó el poder de representar al país inca en la carrera por un Oscar. No obstante, la llegada de la pandemia truncó gran parte de su trayecto de exhibición, así como la vida de dos integrantes de la producción. “El violinista (Víctor Tamayro) que sale en la película falleció, y luego tuvimos otra pérdida, Víctor Zapata, el chico que hace los efectos especiales en vivo”, recuerda la cineasta.

Mientras la cinta filmada en blanco y negro, bajo la lente de Inti Briones, llegaba a las salas de cine de Europa y Japón, en Perú se tuvieron que conformar con un estreno a través de la plataforma Netflix. Esta acción se debió en parte a que el cierre de los cines en el país andino se prolongó mucho más que en Europa, y además su cinta comenzó a circular de manera pirata. El hecho de que su primer largo no pudiera apreciarse en los cines de su país natal, fue un duro golpe para muchos. “Me cayó como una patada”, confiesa León. “Pocas cosas he logrado aceptar con tanta dificultad como esa”. Empero también aclara que fueron momentos difíciles para todo el mundo.

Algo similar sucedió en Estados Unidos. La distribuidora Film Movement, que adquirió los derechos para su exhibición en este país, ya tenía aseguradas al menos una veintena de salas para el estreno de Canción sin Nombre. Sin embargo, con la pandemia solo se puso a disposición de manera virtual. “(La película) no pudo tener el estreno que se merecía y que nos habíamos ganado”, señala León. “Eran como unas 20 salas en todo el país, que nos habían ofrecido un espacio. El co-escritor de la película es estadounidense, Michael J. White, también es productor y le hacía mucha ilusión estrenar en un país, y claro a mí también, porque es un país muy importante para el cine. Aquí nos afectó más que en Europa, porque (allá) reabrieron más rápido (los cines)”.

Si bien el trayecto de su película tuvo sus inconvenientes, León asegura que también existieron varias cosas positivas: la participación en más de 100 festivales a nivel mundial, el recibimiento del público y casi una treintena de galardones. “La pandemia nos dejó a todos en nuestro lugar”, dice. “Para mí la gran lección fue aceptar todo lo bello que tenemos en la vida”, afirma.

A la par de dar clases en Columbia, la directora se encuentra trabajando en su primer largo en el terreno de la no ficción. “Es un documental aquí (en Estados Unidos) y tiene que ver con los indocumentados, es para hablar sobre el tema de la frontera. Contar esta historia, digamos (nos remite a lo) que significan las fronteras”, asegura. Sin proporcionar detalles en cuanto a la trama, señala que se trata de un thriller documental. ¿Será que estamos ante una nueva defición de este género?, se le cuestiona. “Estamos en tiempos de nuevas definiciones, y necesitamos hablar de lo que vivimos”, enfatiza.

Asimismo se encuentra realizando la adaptación del libro Huaco Retrato. “Es una novela muy bonita de Gabriela Wiener, una novelista excelente peruana que vive en Madrid, España”, dice la cineasta. En este libro, la autora detalla el legado de su tatarabuelo (un explorador europeo que robó cientos de piezas arqueológicas), y de su padre, un periodista admirado pero quien tenía dos familias, así como de su propia problemática al reconocer estos fantasmas. “Su novela me impactó mucho”, dice León, quien asistió a la misma escuela de Wiener. En la novela se muestra “su esfuerzo por vivir en verdad y explorando todas las posibilidades emocionales de una manera transparente, sin culpas y sin mentiras, y con sus dificultades que vienen con la sociedad”, asegura. El libro examina las temáticas de colonialismo, identidad, racismo y deseo, mismas que la directora espera explorar en la pantalla grande.

Sobre el futuro de la exhibición de cine en América Latina, y a nivel mundial, León es optimista. “Espero que la buena costumbre de ir al cine se mantenga, es una práctica y una especie de ritual tan bonito que no tiene nada que ver con las plataformas. (Estas) están muy bien para algo que no pudiste ver en el cine, volver a ver algo, o por si algún motivo no se puede salir de la casa. Pero creo que hay que salir de las casas, hay que recuperar nuestro sentido de lo público y de lo colectivo; de hacernos amigos de la gente y de enfrentarnos a nuestras desavenencias como una manera de superar la soledad, y el cine es parte de eso. A pesar de que en la sala estás con desconocidos, pero de alguna u otra manera entras en contacto. Estás compartiendo una experiencia”.

Si bien la directora peruana ha mencionado en ocasiones sobre cómo el cine asiático ha influenciado su trabajo, hoy en día es el cine de la no ficción y los cortometrajes, los que acaparan toda su atención. “Veo todo lo que hay últimamente sobre documentales. Estoy siguiendo el caso de los palestinos, vi el documental que ganó el Oscar, No Other Land, estoy muy impactada por todo lo que están viviendo ellos”, finaliza.

Canción sin Nombre se encuentra disponible en MUBI (USA)

El mundo puede estar de cabeza, pero la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS, por sus siglas en inglés) de Estados Unidos, entregará mañana su aún codiciado premio Oscar, y aquí lo celebramos, todavía. Como sabrán admirables suscriptores, ya hicimos un repaso sobre la categoría de Mejor Película Internacional y reiteramos nuestra predicción: I’m Still Here (Brasil, 2024). Y en vista de que nada está pasando en nuestros terrenos cinematográficos, nos dimos a la tarea de ver todos los filmes nominados en la categoría de Mejor Documental y fue una gran satisfacción.

Siempre hemos seguido a detalle esta categoría, desde nuestros inicios en Cine Latino en Nueva York, pero a diferencia de otros años en donde por lo regular siempre nos falta uno por ver, ya sea porque no está disponible o simplemente el tema no es de nuestro agrado (bélicos). Este año, al igual que en las dos últimas ediciones, esta categoría ofrece una selección tremenda de documentales, con historias personales e internacionales que buscan un cambio social a través del séptimo arte. ¡La competencia es brutal!

Si bien no hay ningún latinoamericano envuelto en los cinco filmes, podemos mencionar que cuatro de los nominados provienen del Festival de Sundance , y solo uno (No Other Land) se graduó del Festival de Berlín. Tenemos a tres mujeres en los créditos de dirección y cuatro de las películas seleccionadas fueron realizadas por jóvenes debutantes. Aquí va nuestra clasificación, de menor a mayor posibilidad de ganar, pero podemos estar equivocados. Al final solo somos simples espectadores como todo mundo.

5.- Porcelain War (Ucrania/Australia/USA, 2024), Slava Leontyev & Brendan Bellomo. 87 min. Picturehouse

En Breve: Cuando se desata la invasión rusa, dos artistas ucranianos deciden quedarse en su ciudad, no solo para seguir con sus creaciones artísticas sino para unirse a la lucha militar.

Estreno Mundial: Festival de Sundance (Gran Premio del Jurado, sección documental estadounidense).

Nuestra Opinión: No cabe duda que con la nueva administración de esta nación, este documental envejeció terriblemente en un lapso de una semana. Para muchos pasó de necesario e importante, a ser completamente irrelevante. La premisa es sumamente interesante, la mezcla del arte como metáfora ante el terror y destrucción que ocasiona la incursión militar. Sin embargo, a medida que transcurre el filme nos damos cuenta que es otro documental de guerra con sus propios intereses, y sin ningún tipo de reflexión o autocrítica. A pesar de contar con unas secuencias animadas bien logradas —en donde los figurines de porcelana adquieren vida propia—, Porcelain War pierde todo sentido cuando se convierte en un vehículo propagandista de guerra, exaltando la misma violencia de la que aseguran lamentarse.

Conclusión: Han sido dos años consecutivos que documentales sobre Ucrania y Rusia (que por cierto ni los hemos visto), se han alzado con el Oscar, por lo tanto creemos que por fin llegó el momento en que otros temas, cineastas y naciones se hagan acreedores a dicho premio. Sin posibilidades.

4.- Soundtrack to a Coup d'Etat (Bélgica/Francia/Holanda, 2024), Johan Grimonprez. 150 min. Kino Lober

En Breve: El cineasta Johan Grimonprez revisa las cuestiones políticas, y musicales que originaron el asesinato del líder congolés Patrice Lumumba en 1961.

Estreno Mundial: Festival de Sundance (Premio Especial del Jurado por Innovación).

Nuestra Opinión: Como bien señala su título, estamos ante una banda sonora para un golpe de estado, en donde Grimonprez construye un creativo testimonio oral y musical fascinante sobre cómo la CIA usó al jazz y sus protagonistas para persuadir el derrocamiento y por ende asesinato del carismático líder africano. Soundtrack to a Coup d'Etat es un asombroso documental histórico, que no solo conecta el pasado con la vida contemporánea, sino que lo presenta mediante un poder visual cautivante en donde la música dicta la narrativa. ¡El colonialismo sigue vivo!

Conclusión: Si bien para muchos puede ser extenuante, dura casi dos horas y media, pero al final tiene una recompensa satisfactoria. En un año flojo en este terreno, Soundtrack to a Coup d'Etat podría ser el gran favorito, pero la competencia este año es dura, aún así puede ganar y no nos molestaría.

Sugarcane (Canadá/USA, 2024), Julian Brave NoiseCat & Emily Kassie. 107 min. National Geographic Documentary Films

En Breve: Una investigación sobre el abuso sexual y la desaparición de cientos de infantes en un internado de indígenas en Canadá.

Estreno Mundial: Festival de Sundance (premio a la Mejor Dirección).

Nuestra Opinión: Un documental personal que trata de encontrar respuestas sobre los crímenes originarios hace décadas por parte de sacerdotes católicos y sus todavía efectos en algunos miembros de la reserva de Sugarcane. Uno de ellos, es el padre de uno de los cineastas del excelente filme, Julian Brave NoiseCat, quien es el primer índigena nativo de Norteamérica en recibir una nominación como director por parte de la Academia. Aquí se nos presenta el acercamiento de un hijo para tratar de entender el porqué del distanciamiento entre ambos, desde una forma empática y casi observacional. Una historia cruda y tan vieja desde que llegaron los españoles a este continente, y que sigue teniendo repercusiones en nuestros días.

Conclusión: Por algún tiempo se le consideró como el documental puntero dentro de la competencia, pero a partir del último trimestre del 2024, nuestra opción número uno lo eclipsó. No obstante, Sugarcane mantiene un amplio sector a su favor, y tiene una de las distribuidoras más poderosas dentro del género de la no ficción, así que no nos sorprendería si se alza con el triunfo mañana.

Black Box Diaries (Japón/Reino Unido/USA, 2024), Shiori Itō. 103 min. MTV Documentary Films

En Breve: Una joven periodista documenta e investiga el abuso sexual que sufrió a manos de un poderoso periodista en Japón.

Estreno Mundial: Festival de Sundance.

Nuestra Opinión: Cuando el sistema de justicia de su país le da la espalda, su familia no sabe qué hacer, la prensa se mantiene al margen y la sociedad no habla de estos temas, ¿qué opciones de justicia tiene una mujer ante ser víctima de una violación? Para Shiori Itō, el silencio nunca fue una alternativa y eso queda plasmado en su extraordinario debut cinematográfico; un testimonio personal, trágico y díficil de ver, pero tan necesario en estos tiempos. Pocos filmes logran cambios sociales, pero este es uno de ellos.

Conclusión: Aunque muchos lo catalogan como un documental ‘bastante personal’, creemos que Black Box Diaries cumple con todos los requisitos de lo que significa ser uno de los mejores del año. La valentía, la fuerza y el coraje que Shiori Itō demuestra a lo largo del filme, es de una gran admiración. Uno de nuestros favoritos, que bien podría dar la sorpresa.

No Other Land (Palestina/Noruega, 2024), Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham & Rachel Szor. 95 min.

En Breve: La destrucción y humillación sistemática que sufren a diario cientos de palestinos por la ocupación israelí en Cisjordania, filmada a través de varios años por un colectivo de ambas naciones.

Estreno Mundial: Festival de Berlín (Premio Panorama de la Audiencia por Mejor Documental y premio Berlinale por Película Documental).

Nuestra Opinión: Basel Adra y Yuval Abraham exponen de una manera honesta y directa la situación que a diario tienen que pasar los palestinos a manos del ejército israelíe. Dos de los aspectos más importantes del filme y de su efectividad como tal, primero es el tema de la segregación que existe en la zona, mientras Yubal tiene libertad de movimiento y ser dueño de un carro, Basel no puede salir de su pueblo o manejar, su vida está controlada por el ejército; luego es la manera sistémica en que los militares israelíes destruyen todo a sus paso: la escuela, las casas y el agua. A la familia de Basel literalmente la han orillado, y a otras más, a vivir en las cuevas. Uno termina por preguntarse, ¿cómo es que se le ha permitido a Israel hacer todo esto? Un documental esencial y poderoso que invita a la reflexión y a preguntarnos la cuestión anterior.

Conclusión: A pesar de tener todo el respaldo de manera unánime de la crítica especializada, una nominación al Oscar y un sinfín de galardones, ninguna esmpresa estadounidense se ‘atrevió’ a distribuir No Other Land. Aún así, este documental se ha convertido en un fenómeno de taquilla para los cines independientes (que aún sobreviven) y que le han abierto sus puertas. Sin duda, uno de los mejores filmes del año y que merece ser visto para entender la valentía de estos cinco jóvenes directores. No Other Land es nuestro gran favorito.

Decir que ha sido un total desmadre, la campaña del Oscar para la Mejor Película Internacional de este año, es una clara subestimación. Hemos tenido todo tipo de intrigas, chismes y controversias: racismo, acoso, xenofobia, transfobia, y aunque no nos consta pero tampoco nos quedan las dudas: corrupción. Todo esto viene solo, en su gran mayoría, de una película: Emilia Pérez, la gran villana de la temporada de premios, llamada así mucho antes de que se destapará la cloaca que llevaba encima.

Como ya sabrán esta película está prácticamente muerta, pero a unas semanas que se entreguen los Oscar, la Academia tiene dos opciones en relación al musical narco francés: pretender que no pasó nada, hacer como que les habló la virgen (ya lo han hecho en otras ocasiones), o simplemente hacer lo sensato y que se vaya sin ningún premio. No creemos que la Academia o cualquier miembro quiera que se le relacione con un posible triunfo de los racistas de su protagonista y director, así como de aquellos que han normalizado su comportamiento. A estas alturas de la competencia, cualquier persona involucrada en este proyecto fallido, está apestada. Después de esta pequeña e intensa introducción, admirables suscriptores, veamos que opciones tenemos con las nominadas a Mejor Película Internacional.

5.- Francia: Emilia Pérez (2024), Jaques Audiard. 132 min. Netflix

Pues resulta que la señora que interpreta a Emilia Pérez es tan facha como el mismo presidente de este país. Y claro, no podemos olvidar al director del filme y sus comentarios racistas y neocolonialistas casuales. Sabíamos que traía una energía bastante tóxica, desde que ganó en Cannes, pero nunca nos imaginamos la forma tan espectacular de su colapso. Como reportamos (de manera bastante generosa, por cierto) desde hace unos meses, el filme es torpe, tiene problemas artísticos, de representación y de dirección, y aún así, a la Academia le gustó mucho y también a varios festivales de cine que la recibieron con los abrazos abiertos y dieron su sello de aprobación. Hoy en día todos guardan silencio.

Con un excesivo número de nominaciones al Oscar (¡13!), nadie duda del poder (económico) e influencia de Netflix en la industria, que en muchos casos se traduce en un clientelismo mediático. Mientras esta compañía, que sigue sin pronunciarse frente a la controversia, gastó 30 millones de dólares, según cifras extraoficiales, en su campaña publicitaria para los premios, no tuvo $30 dólares para pagarle a un becario que en una hora hubiera descubierto lo que la gran mayoría de personas en el mundo en español sabía, pero como es un idioma de pobres, migrantes y subdesarrollados, pues nadie puso atención. En pocas palabras, se les advirtió, pero su soberbia, narcisismo e incompetencia fue del mismo tamaño de su debacle.

Lo más irónico del asunto es que dejó entre ver lo que muchos ya sabemos: no importa la calidad sino la narrativa que tengas para ganar y el dinero que la respalde. Y mientras Netflix y su equipo de mercadotecnia la vendieron como una historia de redescubrimiento (!), redención (risible y ridícula, si la han visto saben que no existe), incluyente y de mujeres hecha por uno de los grandes directores franceses (que resultó ser racista e ignorante), cuando en realidad tenían a una protagonista de las más fachas de fachas, que hace un par de años destilaba odio porque la Academia se atrevió a premiar a actores asiáticos y afroamericanos. Su mensaje era claro sobre esa aberrante política incluyente que la extrema derecha usa alrededor del mundo, que resultó ser la misma inclusión de la que ella se benefició hasta hace unos días. Sin posibilidades. RIP Emilia Pérez.

4.- Dinamarca: The Girl in the Needle (2024), Magnus von Horn. 115 min. MUBI

Para muchos la representante danesa fue la gran sorpresa entre las nominadas (en nuestra quiniela teníamos a la irlandesa Kneecap). La tercera producción del cineasta sueco Magnus von Horn está filmada en un glorioso y lúgubre, blanco y negro, con una excelente dupla de actrices: Vic Carmen Sonne y Trine Dyrholm. Basado en un caso real, la historia se podría catalogar como un relato de hadas gótico y terrorífico al final de la Primera Guerra Mundial. No se trata de un cuento infantil per se, pero se concentra en las opciones que tienen una mujer joven y pobre, al quedarse embarazada del dueño de la fábrica donde labora.

Al tratar de realizarse un aborto con una aguja y fracasar, es cuando aparece una mujer mayor compresiva que la ayudará con su problema; encontrará una familia en donde su bebé será bien recibido. Las dos mujeres, víctimas de la guerra, forman un tipo de alianza que pronto se quebrantará al conocerse el destino real de los bebés. Con la inclusión de The Girl in the Needle, la Academia no solo eleva la calidad estética de esta categoría, sino la centra en el debate actual que se vive en este país sobre la persecusión de las mujeres que deciden buscar un aborto donde es seguro y legal.

3.- Letonia: Flow (2024), Gints Zilbalodis. 85 min. Janus Films

Como bien saben la animación no es lo nuestro. Pregúntenos sobre las categorías de cine internacional, documental o de actrices, y sabemos todo, ¿pero de animación? Nada. Aparte de considerarlas para un público infantil, la gran mayoría de estas —hechas en Estados Unidos—, parecen tener la misma narrativa gastada y predecible de siempre. Sin embargo, de vez en cuando hay algo serio hecho fuera de Hollywood que capta nuestra atención por completo, y ese es el caso de Flow, un peculiar filme de un pequeño país valtico con una doble nominación, que amerita su apreciación.

Este es el segundo largometraje animado de Gints Zilbalodis, en donde se nos presenta un mundo sin la presencia humana, libre de diálogos y con un elenco de animales excepcionales (liderado por un cautivador gato), que no caen en lo simplista de las producciones estadounidenses. Al parecer una catástrofe sucedió ya que no hay indicios de vida humana, mientras que una terrible inundación provoca que un grupo de animales busque la manera de sobrevivir y coexistir. El filme es una joya visual que atrapa de manera instantánea, es un triunfo ante la vida y la adversidad. Si es que los humanos desaparecemos, —como van las cosas en este país—, creemos que la tierra quedará en buenas manos con ellos. Si bien no esperamos que gane en el área internacional, pensamos que hará lo propio en la categoría de animación.

2.- Alemania: The Seed of the Sacred Fig (2024), Mohammad Rasoulof. 167 min. Neon

El título hace referencia a un tipo de higuera que se propaga alrededor de un árbol y termina por estrangularlo, y así el director iraní Mohammad Rasoulof, encuentra el símbolo perfecto para reflejar y describir al régimen de su país. Escrita y dirigida por Rasoulof, hoy en día exiliado, ofrece un tenso drama social con algunos coqueteos de suspenso psicológico, que tuvo que ser filmada en secreto.

Con un grupo de actores de primera, la cinta se basa en un investigador del poder judicial que aspira a ser juez, a la par que se desencadenan múltiples protestas por la muerte de una joven a manos de la policía de la moral (hecho real), de las que sus hijas no solo son testigas sino simpatizantes de la causa. La paranoia y el terror desciende a esta casa de clase media en Teherán, cuando el padre de familia pierde su pistola, en medio de un caos perturbador.

Rasoulof merece todos los reconocimientos del año por su acto de valentía al escapar de su país, con una historia relevante y crítica. Aunque la hemos clasificado en número dos, tenemos un gran problema con The Seed of the Sacred Fig, y eso tiene que ver con su duración. Y es que con casi tres horas, Rasoulof no justifica de manera precisa los últimos 30 minutos, restando un poco de credibilidad a una gran obra. Con este ligero tropiezo y engolosinamiento narrativo por parte del director, querido público, es lo que le cuesta a Alemania el Oscar.

Brasil: I’m Still Here (Brasil/España, 2024), Walter Salles. 135 min. Sony Pictures Classics

Como era de esperarse, nuestra gran favorita es la brasileña, I’m Still Here. Si la Academia es justa este año, por fin el gigante sudamericano se haría acreedor a su primer Oscar y se uniría a Argentina (2 por La Historia Oficial y El Secreto de sus Ojos), México (Roma) y Chile (Una Chica Fantástica), y no solo eso, creemos que Fernanda Torres, tiene amplias posibilidades de ganar en la categoría de Mejor Actuación Femenina, con un trabajo inolvidable.

La cinta de Walter Salles fue una de las grandes sorpresas de las nominaciones ya que no solo se ganó su lugar dentro 10 seleccionadas para Mejor Película, sino que ha sido un éxito de taquilla en Estados Unidos, y ni que decirlo en Brasil donde rompió récords. No nos sorprende la pasión que existe con la Academia, pero lo que sí ha encontrado es una resonancia con el público estadounidense que ve ciertos parámetros con lo que está sucediendo actualmente. A Torres la vemos en la televisión y prensa estadounidense, con una naturalidad y frescura que no se ve en las estrellas de Hollywood de hoy en día.

De las cuatro anteriores, I’m Still Here no solo es la más efectiva sino que ofrece un destello de esperanza en cómo enfrentar a un régimen opresor e incivilizado. Es tiempo que se reconozca la cinematografía brasileña y sus protagonistas.

En la primera escena de I’m Still Here (2024, Sony Pictures Classics), su director Walter Salles nos sitúa en 1971, y es un día hermoso en la paradisíaca playa de Río de Janeiro, Brasil. Aquí vemos a Eunice Paiva, interpretada de manera monumental por Fernanda Torres, nadando en la magnífica bahía sin ninguna preocupación, hasta que escucha y ve un helicóptero militar volando no muy lejos de ella. Como si se tratara de una inminente y peligrosa premonición, decide salir del agua y regresar con su familia.

Con esta introducción, Salles (Central Station, Diarios de un Motocicleta), marca el ritmo y tensión que llevará a lo largo de este emotivo drama político de la vida real, que evoca la determinación y el coraje de una mujer, no solo en busca de la verdad sino del poder de la memoria y resistencia ante el terror de la dictadura (1964-85). Basada en el libro Ainda Estou Aqui (título del filme en portugués) de Marcelo Paiva, la cinta explora la desaparición de su padre Rubens Paiva, un ex congresista brasileño (Selton Mello) y sus consecuencias, desde la perspectiva de su esposa Eunice (Torres) y cinco hijos.

Esta pareja de bohemios brasileños de clase media, tienen una familia ideal, con una casa colorida, llena de cultura y música; con una envidiable ubicación a la orilla de la playa y un sinfín de interesantes amigos que entretienen cada fin de semana. Aunque la dictadura ya lleva algunos años en el poder, con el apoyo de Estados Unidos, no existe ningún incidente mayor en este círculo de progresistas cariocas, quienes quizás se sienten protegidos por su privilegio económico y social. No obstante, entre ellos hay conversaciones a escondidas, llamadas telefónicas misteriosas, entrega de paquetes y visitas inesperadas, que por momentos captan la atención de la jefa del hogar.

De manera inesperada, la presencia de los militares en las calles es más visible, así como sus agravios. Eunice se cuestiona sobre este hecho y los efectos que podría tener sobre su esposo, siendo él un exiliado que recién regresó a Brasil. Como muchos—especialmente ahora mismo con la nueva administración en este país—, Rubens minimiza la situación ya que “solo es una fase” y “que pasará pronto”. Hay conversaciones de un posible viaje a Inglaterra, donde su hija mayor estará estudiando.

Sin embargo, es el secuestro de un embajador lo que destapa la ira de la dictadura. Y así llega la segunda advertencia a la familia de Rubens, cuando una de sus hijas es detenida junto a sus amigos a su regreso del cine, al ver que no se parecen a los posibles secuestradores y una creíble conexión con el régimen, los militares los dejan ir. Este hecho los pone en alerta, pero los planes para irse fuera del país se quedan en el aire cuando unos días más tarde, el terror toca a su puerta. Esta vez no es una amenaza, es una situación real de la que sus protagonistas no tienen la mínima idea de lo que sucederá. A la casa idílica, llena de vida y en donde recién celebraban la despedida de su hija cuando se fue a Londres, ahora pesa una nube oscura con la llegada de un grupo de oficiales armados y vestidos de civil, que le piden a Rubens los acompañe para rendir una declaración.

El semblante de Eurice se transforma en segundos en un dolor silencioso con la inminente ‘partida’ de su compañero de vida, el padre de cuatro hijas y un pequeño. El hogar se convierte en un testigo mudo y significativo del terror que se está desarrollando ante los ojos de Eurice y Zezé (una loable Pri Helena), la chica que les ayuda con el aseo, quienes mantienen la cordura frente a los más vulnerables de la familia. A continuación sucede uno de los momentos más personales de I’m Still Here, en donde entre los involucrados no hay gritos, ni resistencia o violencia, sino solo una despedida a medias, un beso corto y un ahora regreso. Esta frase, sin duda, hace eco de las miles de familias en varios rincones de América del Sur que escucharon a sus seres queridos decir por última vez. Otros miles no tuvieron ni siquiera esa oportunidad.

Es a partir de este momento, en que uno entiende el porqué del éxito inusitado de Torres con la industria y las audiencias, ya que bajo la impecable dirección de Salles, realiza un trabajo fascinante al abordar este personaje con una sutileza determinante. Cuando el comando de hombres vestidos de civil, quienes llegaron por su marido, la tienen prácticamente secuestrada con sus hijos por horas, ella nunca pierde su temperamento, es más decide ofrecerles de comer, pero es el espectador que puede ver el terror en su mirada, el parpadeo nervioso de sus ojos y el temblor en sus labios. El pánico y desesperación que siente, no se pueden expresar, ya que carecen de voz.

Como si la desagradable noticia de ver partir a su esposo, no fuera suficiente ahora ella y su hija deberán comparecer ante las autoridades castrenses. El verdadero horror comienza a manifestarse en su ser, y sus movimientos corporales lo dicen todo. Por primera vez, Eurice pierde la formalidad disfrazada que la caracterizaba desde que el terror inimaginable tocó a su puerta. Así cuando llega al ‘cuartel’, el rostro real de la dictura se aprecia en todos los sentidos: los gritos de angustia en los pasillos, la sangre de los detenidos a sus propios pies, los cuartos de tortura y el terror sicológico empleado contra ella, es solo una fracción de lo que posiblemente su marido sufrió. Aún así, Eudice permaneció privada de su libertad por más de 12 días.

El cineasta brasileño, cuyas imágenes en Súper 8 obtienen una bella atmósfera a lo largo del filme, trata con fino respeto a sus personajes. Para él es una cuestión personal (se sabe que Salles convivió con la familia Paiva de pequeño), y no está interesado en los porqués de la detención de Rubens, o del drama en los tribunales. Se entiende que en ese tiempo, cualquier pensamiento progresista o de izquierda, te convertiría automaticámente en un enemigo del sistema. Empero, su foco primordial es Eudice, y todas las consecuencias (legales y económicas) que una desaparición trae consigo, un gran acierto narrativo que pocas veces se puede admirar. Para ella la ausencia (de su marido) “es una tortura eterna”, misma que la motivó para no solo para enfrentar a la dictadura sino hacer grandes cosas por su país.

Cabe apuntar que hace más de 25 años en el mismo cine de Nueva York, donde la enorme Fernanda Montenegro nos conmovió en Central Station (1998) y quien tiene una pequeña participación en I’m Still Here, ahora fue el turno de su hija, cuyo trabajo actoral habla por sí solo. En este filme, Torres hace lo propio con un dinamismo electrificante que recuerda a otras grandes actrices latinoamericanas que han dado cuenta de los horrores de las dictaduras y gobiernos opresivos (PRI, México): Norma Aleandro en La Historia Oficial (1984), María Rojo en Rojo Amanecer (1998), y recientemente Aline Küppenheim en Chile ‘76 (2022), por mencionar algunas. Con nominación al Oscar o no, Fernanda Torres ofrece una de las actuaciones más memorables del año, y la pone en la cúspide actoral a sus 59 años.

A diferencia de sus vecinos argentinos y chilenos, la cinematografía brasileña pareciera un tanto tímida cuando se trata de examinar el tema de la dictadura. Si bien el cine documental lo ha hecho de una manera constante y valiente, son pocos los casos narrativos que saltan a la memoria: El Año que mis Padres se Fueron de Vacaciones (2006), 4 Días en Septiembre (1997) o Marighella (2019). No obstante, también es importante señalar que ante los embates del pasado gobierno de extrema derecha de Bolsonaro, el cine brasileño y la comunidad creativa han respondido de manera aguerrida ante sus intentos destructivos, situación que ahora se vive en Argentina.

Para Salles, quien creció durante la dictadura y comenzó su trabajo en el cine durante los primeros años de la inocente democracia, con esta producción hace una invitación a la reflexión sobre lo que puede suceder cuando un gobierno autoritario toma el poder. Aunque muchos lo verán como una clara advertencia, cuestión que no está alejada de la realidad —ahora mismo en este país de las llamadas libertades—, lo cierto es como bien dice el dueño de una librería en la película, vivir bajo estas circunstancias, “nadie está a salvo”.

Esperamos que hayan tenido un buen comienzo de año, y desde la congelada isla de Manhattan, les deseamos que este 2025 sea de lo mejor. Gracias a los nuevos suscriptores que recién llegaron, y a todos los que nos acompañan desde el año pasado. Si bien apenas llevamos un poco más de seis meses al frente de este proyecto, aún estamos tratando de entender qué funciona para la audiencia local, o para quienes no viven en Nueva York o Los Angeles, que es una gran mayoría.

Desde nuestros primeros días en la internet, la función primordial siempre ha sido informar y documentar sobre lo que se está proyectando de Nuestro Cinema en Nueva York, y ahora en todo el país, pero eso se reduce a básicamente a las dos ciudades antes mencionadas. En vista que los eventos y estrenos se reducirán este año, en vez de reportar cada fin de semana sobre lo que acontecerá, hemos decidido hacerlo de manera mensual, y así concentrarnos en otros artículos. Así que comenzamos con lo que llega a partir de hoy.

Estrenos

• Los Océanos son los Verdaderos Continentes (Italia/Cuba, 2023), Tommaso Santambrogio. 119 min. Film Movement.

Pareciera que al mundo Occidental lo único interesante de la situación en Cuba y que vale la pena reflejar en el cine, es el exilio y la migración. Y con esa perspectiva, el director italiano Tommaso Santambrogio, presenta tres historias filmadas en blanco y negro, con actores no profesionales cubanos, que se desarrollan en el pueblo de San Antonio de los Baños. A partir de hoy en Film Forum ($17).

• I’m Still Here (Brasil/España, 2024), Walter Salles. 135 min. Sony Pictures Classics.

Una de las películas más esperadas del año y que todo mundo quiere ver ahora mismo, es la brasileña I’m Still Here (2024). Y eso se debe en gran parte a la excelente actuación que Fernanda Torres, ofrece en la cinta dirigida por Walter Salles, y que hace unos días conmocionó a la industria estadounidense por un triunfo inesperado en la categoría de actuación femenina en una entrega de premios. En esta producción Torres interpreta a una madre de cinco hijos, quien tiene que enfrentarse a la dura realidad de la desaparición de su esposo (Selton Mello) por parte de la dictadura brasileña en 1971. Se estrena en Nueva York y Los Angeles el próximo 17 de enero.

Retrospectivas

To Save and Project: MoMA International Festival of Film Preservation

Después de que el año pasado no hubo ninguna representante de nuestro continente en el Festival Internacional de Preservación de Películas del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MoMA), la institución cultural quizás escuchó las quejas de muchos en la industria, ya que para este edición de 2025 que comenzó anoche, América Latina regresa con una excelente selección de cuatro títulos, así como dos de directores de origen latino. Como saben, la misión del festival, mismo que ha inspirado a varios en Latinoamérica, es la difusión de la preservación y restauración fílmica reciente. A continuación nuestras elegidas, pero el resto del programa no está nada mal.

• Mulher de Verdade (A Real Woman, Brasil/1954), Alberto Cavalcanti. 98 min.

11 de enero, 4:30 pm. | 16/01, 4:30 pm.

• Rosaura a las 10 (Rosaura at 10 O'Clock, Argentina/1958), Mario Soffici. 102 min.

13/01, 6:30 pm. | 17/01, 4:30 pm.

• Adventures of Casanova (México/USA, 1948), Roberto Gavaldón. 83 min.

18/01, 4:00 pm. | 29/01, 4:30 pm.

• Después del Terremoto (After the Earthquake, USA/1979), Lourdes Portillo & Nina Serrano. 24 min.

22/01, 4:00 pm. | 25/01, 1:30 pm.

• A Circle in the Fire (USA, 1974), Víctor Nunez. 50 min.

26/01, 4:00 pm. | 30/01, 4:30 pm.

• María Candelaria (México, 1943), Emilio Fernández. 98 min.

27/01, 4:00 pm. | 29/01, 7:00 pm.

MoMA (11 West, 53th St.) $14

Silvia Pinal Remembered

Uno de los pocos homenajes para Silvia Pinal —la legendaria actriz que falleció el pasado 28 de noviembre—, fuera de México, se llevará a cabo en Los Angeles, California y que organiza la American Cinematheque. Se proyectan cinco títulos, de los cuales tres son de Buñuel, nuestra película favorita de Tin Tan, y una producción francesa del Oeste con Anthony Quinn que no sabíamos de su existencia. Sabemos de la situación sobre los incendios en Los Angeles, y quizás algunas exhibiciones se lleguen a cancelar, así que para conocer sobre las locaciones e información de último momento aquí.

El Angel Exterminador (México, 1962), Luis Buñuel. 92 min. 14/01, 7:00 pm.

Programa doble: Simón del Desierto (México, 1965), Luis Buñuel. 45 min. Viridiana (México/España, 1961), Luis Buñuel. 90 min. 17/01, 7:30 pm.

Guns for Sebastian (Francia/Italia/México/USA, 1968), Henri Verneuil. 111 min. 16/01, 10 pm.

El Rey del Barrio (México, 1950), Gilberto Martínez Solares. 100 min. 18/01, 4:00 pm.

Alfonso Cuarón: An American Cinematheque Retrospective

Otro mexicano que la American Cinematheque está celebrando este mes es el director Alfonso Cuarón, de quien se ha preparado una corta retrospectiva con cuatro títulos. No obstante, debido a los incendios en esa ciudad, Children of Men (Gran Bretaña/USA/Japón), 2006), tuvo que cancelarse hoy. Para mayor información y locaciones aquí.

A Little Princess (USA, 1995). 97 min. 11/01, 4:00 pm.

Gravity (USA/UK, 2013), 91 min. 20/01, 10:00 pm.

Y tú Mamá También (México, 2001). 106 min. 22/01, 7:00 pm.

Estreno en Plataformas

• Pepe (República Dominicana/Namibia/Alemania/Francia, 2024), Nelson Carlos de los Santos Arias. 123 min.

Desde su paso por el Festival de Cine de Nueva York nos intrigó este docu-ficción sobre un hipopótamo en Colombia, dirigido por el dominicano Nelson Carlos de los Santos, ganador del premio al Mejor Director durante el Festival de Berlín del año pasado. Como sabrán todavía no la hemos visto, ya que esperábamos a que llegará a la pantalla grande por estos lares, pero no fue así, ya que a partir de hoy se estrena en la pantalla chica, vía la plataforma MUBI. Para todos aquellos que la tengan, cuéntennos qué tal está.

Está por terminar este año, y por ende, queremos desearles un increíble 2025. Apenas llevamos seis meses en esta casa, y todavía tenemos mucho por aprender. Asimismo varios nos están pidiendo nuestra lista a lo mejor del 2024, pero hemos decidido mejor enlistar nuestras decepciones cinematográficas, ya que son más divertidas y seguro muchos estarán más que sorprendidos por algunas de las seleccionadas. No se trata de lo peor del cine, casi pero no, sino más bien son esas películas de las que uno espera con suma anticipación, y una vez en la pantalla grande —o chica— se desinflan como algunos nos advirtieron y claro no hicimos caso.

De hecho, varios de estos filmes tienen sus fanáticos dentro y fuera de la industria, por lo que son difíciles de ignorar y no se diga de que algunos hasta los premiarán. Como siempre nos concentramos solo en estrenos en la pantalla de plata (o en plataformas) de cine latinoamericano, hecho por latinos o en nuestras historias que son contadas por otros. La lista va de lo más espantoso a lo menos atroz.

Emilia Pérez (2024)

Ya hemos hablado lo suficiente de la gran villana de esta temporada de premios, y no vamos a ponerle más leña al caldero, de eso se encarga su propia protagonista. Cada vez que entro a Netflix y veo la lista de sus 10 películas más vistas, espero ver a Emilia Pérez desfilar, y nunca la he visto, por lo que mi hipótesis de que se trata de un fenómeno de la industria en un sector minoritario es mucho más palpable ahora que en septiembre. A pesar de su gran calibre publicitario (¡gracias Cannes!), lo cierto es que no ha trascendido a la audiencia regular de la plataforma, pero pareciera que Netflix tiene a punta de pistola a muchos votantes, de ciertas organizaciones, porque no hay forma de levantar a este musical de narcos.

Sujo (2024)

Cuando terminó de proyectarse esta película, hay una dedicatoria especial para “los huérfanos de este país en llamas”. Al salir del cine, caminé por una calle llena de color, alegría, las fondas llenas, música por todos lados y un bullicio decembrino contagioso en un barrio de gente trabajadora —que quizás tienen muchísimos problemas como todos—, y me tuve que preguntar, ¿dónde están las llamas? Entendí que este producto, así como la dedicatoria, se trataba de otro gesto vació por parte de esta élite mexicana que sigue sin comprender a su propia gente. También pensé que México no tenía ninguna posibilidad en el Oscar, ni el Goya con semejante fracaso narrativo que repite los estereotipos de otras películas de narcos, incluída su ópera prima de las directoras, Sin Señas Particulares (2020). Tal vez por eso todas las distribuidoras serias de Estados Unidos, se mantuvieron al margen de su compra y exhibición. Sujo debió haber salido por allá del 2010, y quizás su mensaje del síndrome de la salvadora blanca hubiera encontrado mucho mayor resonancia al lado de The Blind Side (2009), que en 2024.

Problemista (2023)

Cuando su distribuidora canceló el estreno de la cinta —que por cierto se debió haber llamado ‘Problemática’—, por la huelga de los guionistas y actores, nos sorprendió porque no pensamos que realmente le tuvieran mucha confianza en términos económicos o artísticos, pero qué puede saber uno, ¿cierto? Una vez estrenada se desplomó en su primera semana, y la siguiente fue peor. Así que en esta casa nos abstuvimos de asistir al cine, y esperar a que llegará a Max. Aplaudo que se hable de los temas que millones de migrantes tenemos que pasar con el sistema de migración en este país, y que se ofrezca ‘otro angulo’, ya sea desde la comedia (para muchos no hay nada divertido) o el humor negro, pero Problemista no cumple ni con lo uno, ni con lo otro. Y ya sé que dirán que se trata de una comedia surrealista, absurda e irreverente, y que los gringos son tan tontos como poder ‘entender’ que Catalina Saavedra hable como cubana cuando interpreta a una mujer salvadoreña, o que su director y protagonista Julio Torres nos presente a un inmigrante genérico, con una escasez de identidad lingüística y un caminadito a la Doctor Chapatín, solo para que sea más digerible para ellos y digan ‘oh look, how cute!

En el Lugar de la Otra (2024)

Otra película de la que ya habíamos hablado y que tampoco figuró en la lista de las 15 preseleccionadas para el Oscar, como ya lo habíamos advertido. En su primera cinta de ficción Maite Alberdi, no terminó por encontrar la magia, ni a los votantes necesarios para que En el Lugar de la Otra, siguiera el mismo camino de sus anteriores documentales. El gran problema que enfrenta la historia, a pesar de una producción extremadamente bien cuidada, es que el caso (del que se basa) no tiene resolución y la creación de un personaje ficticio simplemente no funcionó. Al final no puede sacudirse el estigma de ser una película más de Netflix. Sin embargo, no todo estaba perdido con esta cinta ya que gracias a ésta, conocimos de los libros de Alia Trabucco, y que ahora Limpia y La Resta reposan en nuestro escritorio.

Going Varsity Mariachi (USA, 2023).

A este documental le teníamos muchas ganas desde su presentación en Sundance en enero del 23, y por alguna ‘extraña’ razón, tardó casi un año y medio en estrenarse en Netflix. El filme tiene un aire que no corresponde con el 2024 (fue filmado durante la pandemia), y desde el comienzo se percibe de que está hecho por gente que nada tiene qué ver con el tema, ni con la comunidad que están representando, o simplemente está pensado para otro público menos nosotros. La edición por más que trataron de arreglarla parecía fragmentada, y claro después nos enteramos de que este proyecto sería una serie tipo competencia y se nota. Todos los elementos que hacen a un documental trascender, no solo fronteras sino percepciones sociales, estaban conjugadas en esta historia que sus directores desaprovecharon terriblemente.

La Cocina (2024)

Esta duele porque nos gusta el cine de Alonso Ruizpalacios, cuya autoridad al ejecutar su visión ha quedado demostrada en A Cop Movie (2021), Museo (2018) y Güeros (2013), pero en su primera película en inglés no logra encontrar ese balance idóneo que lo caracteriza, y desafortunadamente La Cocina se le va de las manos por completo —tal cual plato escurridizo— en el fallido tercer acto. Si bien cuenta con una excelente fotografía en blanco y negro, el fantasma de una obra de teatro era mucho más grande de lo que habíamos anticipado en esta versión cinematográfica. Salvo una escena en Central Park, los exteriores de Times Square son de risa loca, tal cual un callejón de Don Gato y su Pandilla: estéril y acartonado (como varios personajes). Y bueno la forma en que resuelve el conflicto de la premisa del filme, fue de lo más ordinario para una producción con una duración de dos horas y 19 minutos.

No es la primera vez que Pedro Almodóvar, confronta y cuestiona a la muerte o el dolor de la ausencia o la pérdida emocional y humana (Todo Sobre mi Madre, Volver, Hable con Ella y Dolor y Gloria, entre otras), pero en su más reciente trabajo y su primer largo en inglés, The Room Next Door (España, 2024. Sony Pictures Classics), el director español conjuga parte de estos tópicos —con su característico mundo estético— desde una cautivante óptica de amistad y solidaridad femenina, logrando una de las mejores películas del año.

Basado en el libro What Are you Going Through (2020), de la escritora neoyorquina Sigrid Nunez, ampliamente recomendable, a sus 75 años el cineasta manchego con La Habitación de al Lado (su título en español), nos presenta un melodrama sobrío, sensible y lleno de color. A pesar del tema, la muerte voluntaria o de las decisiones al final de nuestra existencia, la producción española, es una celebración a la vida.

Ingrid, interpretado magistralmente por Julianne Moore, es una escritora neoyorquina quien se entera que Martha (Tilda Swinton), una ex reportera de guerra y antigua amiga con la que compartió mucho en su juventud (hasta un novio), tiene cancer terminal. Ingrid decide visitarla en el hospital y Martha le propone algo atrevido que no solo tiene implicaciones éticas sino legales. Martha quiere acabar con su vida antes que la enfermedad se apodere de ella. Escribir más sobre la película sería arruinarla, pero la forma en que Almodóvar presenta y resuelve este conflicto es extraordinario, de principio a fin.

El cineasta no pudo haber encontrado a mejor pareja de actrices que Moore y Swinton, para protagonizar su primer largometraje en inglés. Si bien Swinton, ya había trabajado con el manchego en su debut en ese idioma con el cortometraje The Human Voice (2020), la actriz escocesa aquí mantiene el nivel actoral al que nos tiene acostumbrados, su interpretación de Martha, es precisa y su transformación física es memorable. No obstante, es Moore quien ofrece una de sus mejores trabajos en los últimos años, con una actuación casi silenciosa y llena de miradas. Con Ingrid, un personaje demandante de manera interna, Moore revela mucho más con tan solo practicar el arte de escuchar y con esa poderosa mirada, que con cientos de líneas de diálogo.

Además de la exquisita música original creada por Alberto Iglesias, otro de los grandes atributos de La Habitación de al Lado y que muy poco se ha hablado, es la notable adaptación que realizó el director de la obra de Nunez. What Are you Going Through es un texto corto pero difícil (cinematográficamente hablando), con un estilo bastante peculiar y que captura con amplia gama la idiosincrasia de algunos quienes vivimos en Ciudad Gótica.

Con todo lo anterior, ¿es The Room Next Door perfecta o la mejor película del 2024? Obvio que no, pero para aquellos críticos que se han volcado con entusiasmo a decir que Almodóvar se perdió en la traducción (recuerdo ese titular después de su proyección en Venecia), y sin haber leído el libro, es un disparate completamente. Las imperfecciones de la cinta recaen principalmente en cuestiones técnicas o de producción (por ejemplo, lo falso que se ve Nueva York y el acento castellano de los dependientes ‘neoyorquinos’ o de quienes viven ‘upstate’ le restan autenticidad), sin embargo, estas pasarían de largo para la gran mayoría de los críticos estadounidenses, si la película fuera en español.

Aún así, Almodóvar sale bien librado de su primer trabajo en un idioma que no le pertenece, con una historia que no concibió pero que la siente apasionadamente. El español no está interesado en hacer una película estadounidense o de ‘entretenimiento’, sino un filme de Almodóvar en inglés, serio, con un par de excelentes actrices y qué nos haga hablar por horas. Con The Room Next Door, el cineasta invita a la audiencia a la reflexión sobre este tema tan complejo para unos (según los valores y la filosofía ante la vida), lo cierto es que pareciera que aquí el español nos está diciendo que hasta en la espera de la muerte, hay detalles muy bellos por descubrir y aceptar.

The Room Next Door se estrena hoy en Nueva York en el Angelika Film Center, Cinema 123 by Angelika y Film at Lincoln Center, mientras que en Los Angeles se exhibe en AMC The Grove 14, AMC Burbank 16 y Laemmle Royal.

El despertar de la adolescencia, un padre ausente y el decir adiós a un país sumergido en una crisis total (para los más desprotegidos siempre ha estado así), son los universos que oscilan en Reinas (Perú/España/Suiza, 2024), el tercer largometraje de Klaudia Reynicke, quien trata de enfrentar estos tópicos con sutileza y astucia, pero con algunos altibajos. Distribuida por Outsider Pictures, Reinas cuenta con un guion de Reynicke y Diego Vega, de la magnífica Octubre (2010), y nos relata el último verano que pasarán unas hermanas en Perú antes de marcharse con su madre a Estados Unidos.

Es el año de 1992, y Perú es gobernado por el horror del régimen de Fujimori, azotado por la violencia interna, con interminables apagones, una carestía de productos básicos —hasta los más privilegiados no tienen azúcar pero sí para mantener una servidumbre—, y sin faltar claro, los toques de queda. Si bien la violencia no está en mi primer plano, Reynicke intenta reflejar estas incertidumbres, miedos y exageraciones de la Lima de esa época, a través de segmentos noticiosos y en voz de sus personajes clasemedieros, cuya protección está relativamente garantizada en sus enclaves de Miraflores y San Isidro.

Ante esta problemática, Elena (una excelente Jimena Lindo) decide abandonar el país con sus dos hijas menores de edad, pero para poder irse primero tiene que recurrir a Carlos (Gonzalo Molina), el padre ausente para que firme el permiso de salida de las niñas. No obstante, para él es la gran oportunidad para entablar una relación afectiva con ellas, a unas semanas de que se vayan quizás para siempre. La dinámica que plantean los guionistas aquí es bastante sólida, y los tres actores responden con un aire de espontaneidad, sin mucho esfuerzo pero sumamente efectiva.

Las hijas son Aurora (Abril Gjurinovic), una adolescente que comienza a experimentar sexualmente y Lucía (Luana Vega), una pequeña que observa, cuestiona y no tiene miedo a decir la verdad, y residen con su madre y abuela (Susi Sánchez). Cada una vive en su mundo particular, pero en lo que coinciden ambas es en llamar a su padre por su nombre, manifestando así su independencia, distancia afectiva y de clase, ya que para ellas es un desconocido. Sin embargo, es a partir de estas salidas —unas escenas muy bien logradas—, que ellas conocen un poco a ese padre, que si bien es mentiroso revela un interés genuino, al grado de que una de ellas comienza a cuestionarse sobre su próximo viaje. Quizás Perú no es tán malo como los adultos dicen, seguro se pregunta. Para Elena y su familia, Carlos solo representa una firma, y sin esta el futuro de ellas está en juego. Todo indica que él aceptará, pero ¿a qué precio?

La verdadera estrella, del filme premiado en los festivales de cine de Locarno y Berlín, es Gonzalo Molina, quien logra una interpretación matizada y estupenda del padre ausente. Carlos es un hombre mitómano pero con personalidad, al que no le creemos nada pero que irónicamente nos inspira confianza. Tiene un rostro ordinario, pero cautivante e inofensivo. Es aquel tipo que nos deja plantados, ya que no tenía dinero para salir o simplemente se le rompió un zapato, y termina por ganarnos al contar sus aventuras del porqué de su falta. ¿Qué obliga a Carlos a desaparecer? Tal vez un sinfín de asuntos, que el filme no explora pero que deja entre ver; lejos de concentrarse en él, la directora se enfoca en cómo los demás lo miran y lo definen. Quizás es el mismo sistema que obliga a este hombre a no ser el padre que el núcleo familiar y social de Elena esperan.

No obstante, con Oscar Molina fuera de pantalla —sin ninguna explicación— y con un par de subtramas que no logran aterrizar, pareciera que el mundo de Reinas al final se estrella con una telenovela sudamericana, en donde los estereotipos, los gritos, las revelaciones dramáticas y situaciones chuscas de último momento, pasan a demeritar el tono y ritmo de la producción.

Aún con este percance en órbita, Reynicke demuestra un gran apetito por la belleza de sus encuadres, que resaltan las cuidadas locaciones, que van de una eterna gris y seca Lima, a una más calurosa y optimista. Con sus personajes es comprensiva e incluso cuando unos tienen actitudes problemáticas como la abuela de las pequeñas (la gran Susi Sánchez, un tanto desperdiciada aquí), pero sobre todo con el mismo Oscar, a quien trata con sumo cuidado.

Si bien la cineasta dejó su país natal por Suiza, con parte de su familia cuando tenía 10 años, no sabemos qué tan autobiográfica sea este filme, lo que sí entendemos es que ella deseaba reconectar con Perú de una manera orgánica, cuyo resultado fue intenso según sus propias palabras. Quizás la verdadera historia de Reinas no está dirigida a la nación andina como tal, o a la antesala de migrar, sino a ese papá ausente latinoamericano, irresponsable, con falta de oportunidades que en medio de una separación, entiende hasta el final lo que significa ser padre.

Reinas se estrena mañana en el Cinema Village de Nueva York, así como en Laemmle Royal de Los Angeles, en donde Klaudia Reynicke estará presente para una sesión de preguntas y respuestas.

Luego del horror de las elecciones en este país, y de la pesadilla que se nos viene, decidí perderme en una merecida caminata por el Parque Central para buscar un poco de cordura. Pero una vez que estaba por ahí, preferí ver Emilia Pérez (Francia, 2024), de Jacques Audiard y así olvidarme de todo, y vaya que así fue.

Como recordarán, las protagonistas se hicieron acreedoras al galardón de Mejor Actriz en el Festival de Cannes, así como su director ganó un premio también, y desde entonces han estado en el circuito festivalero alrededor del mundo cortejando a la industria, y al parecer esta ha sido bastante receptiva. Netflix compró el filme y decidió hacerlo su prioridad número uno para la entrega de los premios Oscar. ¿Será que esta es la película que estamos esperando en 2024? Tiene el sello de Cannes, además es en español, sobre México, con una protagonista trans por primera vez, también es un musical y con un director de primera, con estas virtudes, ¿qué tanto se puede equivocar uno? Un buen, ya que la cinta no está hecha para crear visibilidad o representación de los grupos que pretende explotar, sino para una industria moralina hambrienta por las mismas historias y prejuicios.

Filmada en su gran mayoría en Francia, Emilia Pérez se centra en Manitas Del Monte (Karla Sofía Gascón), un temido y sanguinario narcotraficante que decide someterse a una cirugía de reasignación de género, gracias al secuestro express de Rita (Zoé Saldaña), una abogada harta de defender a hombres abusivos de gran perfil económico. Ella se encarga de todo lo relacionado con la operación, así como de la nueva residencia de Jessi Del Monte (Selena Gómez), y sus dos hijos en Europa; a cambio, Rita recibe una gran cantidad de dinero que le permitirá una seguridad estable. Manitas ha muerto y con él todo el negocio se ha evaporado.

Después de unos años Rita y Emilia, se vuelven a encontrar y esta le pide que busque a su antigua esposa e hijos y los traiga a México. Una vez instalados, Emilia decide formar una organización sin fines de lucro, quizás para lavar su culpa ¿o dinero?, donde ayuda a quienes buscan a los desaparecidos de la guerra entre narcos. Aquí conoce a Epifanía (Adriana Paz), cuya honestidad traerá consigo una nueva oportunidad de amor para esta mujer trans adinerada. A la par Jessi reconecta con un tipo con quien tuvo una aventura mientras Manitas vivía, provocando el despertar de un monstruo que pensamos había muerto. Todo lo anterior se entrelaza con un sinfín de canciones, por llamarlas así, sin ton ni son. No solo Emilia Peréz nos sacó $17, sino que nos dotó con gran inspiración para desglosarla de arriba abajo.

Lo Bueno

Zoé Saldaña: Si alguien mantiene la cordura actoral y el eje narrativo en los tres cuartos de la cinta, es la actriz de origen dominicano. La energía y experiencia con la que Saldaña aborda a Rita, es asombrosa. De todas las nominaciones que la gente está gritando esta película se hará acreedora al premio Oscar, en mi opinión, esta es la más segura de ser reconocida. Y por si fuera poco, Saldaña realiza el único número musical (El Mal), en compañía de Karla Sofía Gascón, que visualmente merece la pena. En definitiva, Zoé es la estrella de Emilia Pérez.

Los consultores (mexicanos) en el guion: Si bien este es extremadamente problemático —da vergüenza en múltiples ocasiones—, una de las cosas menos mal es la inclusión acertada del lenguaje mexicano. Suponemos que el guion fue escrito en francés, para después llevarlo al español y luego darle una interpretación con algo de la idiosincrasia mexicana. Por ejemplo, el personaje de Saldaña es de la República Dominicana y estudió en Veracruz, y se apodera de los modismos mexicanos de manera efectiva y sin caer en lo caricaturesco.

Adriana Paz: Una de las mejores actrices mexicanas ahora mismo es ella, y en esta película lo demuestra. Paz aparece en el (terrible) tercer acto y desde su primera escena brilla increíblemente, no solo se gana la atención de Emilia, sino la de nosotros mismos. La subtrama de Epifanía, su personaje, es sumamente atractiva y si la hubieran desarrollado un poco más, el filme tendría un giro completamente diferente. Sin embargo, los genios de Emilia pierden una oportunidad y tristemente la desaprovechan al relegarla hasta el final, en donde ella tiene la última carcajada de todas las involucradas. Si quieren apreciar a Paz en todo su esplendor como actriz, chequen su película Hilda (2014), disponible en varias plataformas televisivas.

Lo Malo

La primera imagen: Como mexicano y no estoy solo en esto, viviendo en el extranjero uno está acostumbrado (e inmune) a las expectativas, los clichés, las imágenes, los prejuicios que le gustan tanto al mundo Occidental de nuestro México Lindo y Querido. Si bien algunas actitudes han cambiado en los últimos años, todavía existen ciertos aspectos de la cultura mexicana que este mundo blanco está obsesionado, y eso se refleja de manera casual en los medios de comunicación, y no se diga en el cine y por ende en la sociedad menos sofisticada. En algunos casos es inofensivo, y merece solo una mirada de exasperación y darnos la vuelta. Tal es el caso de la primera imagen de la película de Audiard, en la que se presenta a un mariachi con luces alrededor como si fuera un árbol de navidad, quizás es inocuo, pero revelador en cuanto a la historia que se nos presenta a continuación: un relato, que se pretende vender como mexicano cuando en realidad está hecho por extranjeros y pensado para este público.

Emilia Pérez: La concepción y el pobre tratamiento narrativo que enfrenta Karla Sofía Gascón con este personaje es demasiado cruel e insensible. Al comienzo el director francés nos brinda una idea de redención, de quien fuera un líder sanguinario y que ahora con una nueva misión en la vida, encontrar a los cientos de cuerpos de la guerra entre narcos, de la que ella fue parte. No obstante, nuestra heroína es realmente la villana de esta terrible obra. Al igual que en su película Dheepan (2015), Audiard nos presenta a un ex guerrillero que había dejado atrás el conflicto armado en Sri Lanka cuando en París, lo estaba esperando la violencia y la guerra. Quizás aquí la moraleja que se plantea es por más que alguien trate de cambiar, incluído de sexo, ese monstruo interno nunca muere. Algunos diálogos y sobre todo las canciones son absurdas y ofensivas para la comunidad transgénero. Emilia Pérez exige que la tomemos en serio (¡Ganamos en Cannes!), cuando lamentablemente ella es su propia enemiga.

Jessi Del Monte: Otra decepción súper clara del filme es el personaje interpretado por Selena Gómez. Se entiende que Jessi es pocha (estadounidense de origen mexicano), pero por más ganas que Gómez le imprima, y vaya que tiene fuerza actoral, sus diálogos en español son huecos y carecen de emoción. Esto no es una debilidad del actor, sino del director que no comprende a estas cuatro mujeres, no es su realidad. Jessi es bilingüe, no se siente cómoda en un mundo que solo habla español. Incluso en los momentos más íntimos, sus líneas resultan planas e intencionalmente cómicas pues no se entiende lo que dice y quizás ese era el objetivo, pero gracias a los subtítulos sabemos su sentir: “me duele la pinche vulva de solo acordarme de ti”. Una oportunidad más desperdiciada.

Lo Peor

El narco, la violencia, los y las desaparecidas: Cualquier película o documental que intente hablar de estos temas y no incluya la problemática de raíz (¡Hola Estados Unidos!), así como posibles soluciones, simplemente son parte del problema. Y no solo eso, se están beneficiando económicamente de las víctimas y de su dolor, de un movimiento que solo busca respuestas en donde las puede encontrar (equivocadamente). Con Emilia Pérez eso queda más que demostrado, pero también lo digo por los múltiples filmes de no ficción y narrativos que salen de México y que vendrán a los festivales de cine el próximo año a ofrecernos las mismas historias con cero empatía y sin ningún resultado.

El concepto musical: Mi teoría de cómo nació éste se debe primordialmente a los narcocorridos. Audierd seguro se obsesionó con la creatividad de los corridos mexicanos, y en la forma en que ciertas veces están dedicados a algunos narcotraficantes. No obstante, también relatan las aventuras y frustraciones de los inmigrantes en Estados Unidos, así como en su momento lo hicieron con los héroes de la Revolución Mexicana. De este modo, mejor usar canciones con diferentes ritmos musicales (nada que suena a mexicano), que nos ayuden a contar esta cruda historia tal y como lo hace un corrido. De hecho, varias de las canciones se rapean o medio se cantan, que no distan mucho de un corrido actual. Así que el concepto musical de Emilia Pérez, no es tán audaz como se nos está planteando. Es más, creo que la música sólo sirve de distracción para el espectador, y así no pensar o minimizar sus terribles errores.

Las letras: Inmediatamente cuando apenas se dejan escuchar las primeras notas, uno entiende que quien escribió las letras no tiene un comando del español fuerte, ya que escasean de sentido, ritmo y suenan bastante infantiles, ridículas y ofensivas. Cuando escucho a Selena cantar sobre su barranca, ¿me preguntó, a qué se refiere con eso? El hijo de Emilia le canta —más bien susurra— que no solo huele a hombre ¡sino a guacamole! Solo un extranjero diría eso, porque de seguro lo hizo con ajo. Pero las más humillantes son las canciones en torno a la cirugía de reasignación de género y a su nuevo ser, de un terrible mal gusto. Quien asesoró a los letristas de manera musical y culturalmente necesitan quitarlo de su résumé.

La iluminación y la fotografía: La cinta francesa mantiene ese filtro sepia que tanto gusta a los cineastas foráneos y algunos locales también, para describir a América Latina. Esta región del mundo es mucho más colorida que las películas de Pedro Almodóvar, se los juro. Lo mismo da Lima, que Ciudad de México o Sao Paulo, el lente que usan es el mismo: tercer mundo y pobreza. Salvo los buenos encuadres que obtiene Saldaña, la iluminación es escasa. Y claro que existen los buenos movimientos de cámaras en un par de números musicales, cuya estética es bien lograda, pero en la gran mayoría carecen de conexión entre sí y su aproximación más cercana serían los vídeos musicales de los años 90, tal vez es el estilo y tono que deseaban explorar.

El futuro: ¿Qué pasará con Emilia Pérez? Debido a los tiempos que estamos viviendo en Estados Unidos, y todo el acoso que recibió la comunidad tránsgenero durante las pasadas elecciones, envejecerá bastante rápido. Si bien es la representante de Francia ante los Oscar, no dudo que consiga colarse entre las 15 semifinalistas que se darán a conocer en un par de semanas. Y entiendo que al parecer es un año flojo entre las películas del 2024, y que puede resultar el gran éxito que espera Netflix, pero a medida que más gente la vea —fuera de la industria y los festivales—, creo que sus posibilidades caerán paulatinamente.

Emilia Pérez se estrena este miércoles en Netflix a nivel mundial.

Cuando andábamos hace unos meses por la Ciudad de México, decidimos checar la más reciente exposición de la Cineteca Nacional, De Raso y Pedrería: Yolanda Varela en Escuela de Rateros, dedicada a una de las actrices más populares durante los años 50, y a su vestido más emblemático. Sin duda, Varela fue una de las consentidas de la taquilla mexicana por más de una década, y además compartió créditos con los grandes de esa época: Germán Valdés Tin Tan, Jorge Negrete, Mauricio Gárces y Pedro Infante, con quien estelarizó la que sería la última película del inmortal actor, Escuela de Rateros (1958).

A falta de un museo dedicado al cine mexicano como tal, y que a estas alturas con toda la historia y el acervo significativo que se tiene del séptimo arte en este país, es imperdonable que no exista, sin embargo, la Cineteca Nacional siempre trata de rescatar y honrar nuestra historia cinematográfica con este tipo de exhibiciones que a pesar de su simpleza son de gran valor y entretenimiento para muchos. Esta muestra se debe en parte a las celebraciones de los primeros 50 años de existencia de esta institución fílmica, así como de la obtención para su acervo histórico del vestido que utilizó la actriz en Escuela de Rateros. Fueron los miembros de la familia de Varela, quien falleció en 2009, los que donaron el atuendo a la Cineteca.

La exposición tiene todo el sello que caracterizan a todas estás muestras de la catedral cinematográfica de la Ciudad de México: un mural con la imágen de la homenajeada con colores vivos que crean una atmósfera que invitan a conocer a esta actriz (desconocida para muchos de los jóvenes asistentes). La muestra es pequeña casí íntima, y se pueden apreciar materiales publicitarios originales, así como una serie de fotográfías de la carrera artística de Varela, que comprende más de 30 filmes en 20 años.

No obstante, la estrella principal es el vestido que usó esta actriz en las últimas escenas de Escuela de Rateros. Se trata de una gran fiesta en donde se daría el gran robo que esperaba el villano argentino (Eduardo Fajardo). Al ver el largometraje por televisión, el atuendo de noche quizás por la saturación del color y que no sea la más reciente versión, no tiene el mismo impacto que al verlo presente. Es un vestido delicado con un color difícil de clasificar y con varios detalles (bordados y pedrería) que lo hacen imposible de ignorar.

A más de seis décadas de su diseño y ejecución, se requirió de una rehabilitación a fondo y el encargado para intervenir dicha prenda fue el restaurador de textiles Renato Camarillo Duque. En un comunicado de la Cineteca, Camarillo aseguró que “el vestido fue confeccionado expresamente para la película, se sometió a diferentes procesos de restauración, haciendo que su detenida inspección permitiera comprender el trabajo realizado por modistas y costureras para su manufactura, lo que favoreció el registro de sus aspectos técnicos y materiales”.

En su momento no escribimos sobre esta exposición ya que necesitábamos volver a revisar la película, y ahora que hemos saldado esa cuenta, aquí estamos. Al parecer se proyectó una versión restaurada de la cinta dirigida por Rogelio A. González, en la Cineteca con motivo de la muestra pero no lo pudimos confirmar. El filme tiene varios aspectos positivos, pero en general solo demuestra que la Epoca de Oro del cine mexicano estaba llegando a su fin, así como el desenlace de un carismático ídolo que a pesar de interpretar dos personajes, no encontró en el guion la energía ni la chispa que lo llevó a la cumbre años atrás.

Escuela de Rateros cumple con las normas de esa época; es una comedia de enredos ligera, pero con situaciones trilladas ausentes de espontaneidad. La historia se centra en Víctor, un engreído y antiguo ratero (Infante), quien ahora se dedica a la actuación y a tocar el violín. Asimismo mantiene un chantaje con la familia de su novia (Varela), con quien se casará solo para que su padre pueda pagar sus deudas. Todo cambia cuando otro oportunista llega, un compañero de transas (Fajardo), que lo presiona para que participe en un robo de unas joyas, que sucederá en una fiesta. El músico y actor se niega a participar, y mientras lo denuncia ante la policía, alguien lo asesina. El enredo principal y situaciones chuscas, suceden cuando la policía decide negar su muerte y hacer creer que Raúl, un atractivo y honesto repartidor de pan (Infante, en su segundo papel), es Víctor y así dar con el verdadero asesino. El gran incentivo para Raúl es cobrar una jugosa recompensa.

Obviamente no le podían faltar un par de números musicales interpretados por el mismo Pedro Infante. La cinta es a colores, de tres que filmó Infante en ese formato y que son integrados en una fotografía nada despreciable de Alex Phillips, uno de los grandes del cine mexicano. ¿Quizás por ser a colores los errores de Infante, son más perceptible que en el glorioso blanco y negro? Rosita Arenas en un papel pequeño, por momentos roba la atención de todos. Si bien Infante es el héroe de Escuela de Rateros, por partida doble, aquí en la exposición de la Cineteca es la presencia de la encantadora Yolanda Varela, quien demuestra ser la estrella única.

Para nuestra apreciada columna, tratamos de escribirla siempre y cuando haya al menos dos o tres eventos pasando en alguna parte del país y que involucre nuestras historias e identidades. Para este preámbulo del Día de Muertos, tenemos un estreno de los más esperados y que seguro se colocará con algunas nominaciones para lo mejor del cine independiente del año, un ciclo de películas cubanas, un festival con un emotivo tributo, así como dos documentales importantes para los días que estamos viviendo y una cinta de animación con perspectiva feminista.

Cine Cubano sin Fronteras

El miércoles comenzó la muestra Cuban Cinema Without Borders, en el Berkeley Art Museum & Pacific Film Archive (BAMPFA), cerca de San Francisco, California, que se compone de cinco largometrajes y dos programas de cortos. Entre los largos todavía a proyectarse tenemos a La Mujer Salvaje (Cuba, 2023), de Alán González, la cual no hace mucho se exhibió en Nueva York, así como Mafifa (Cuba, 2021), de Daniela Muñóz.

Asimismo el domingo 3 de noviembre se proyectará el documental Llamadas desde Moscú (Cuba/Alemania/Noruega, 2023), del joven director Luis Alejandro Yero. Posterior a su presentación en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) del año pasado, el cineasta nos brindó una entrevista y nos habló sobre su ópera prima en donde decidió explorar el desarraigo, la soledad, la explotación laboral y la ausencia del hogar, que viven un grupo de cuatro migrantes cubanos queer en Rusia. La cinta adquirió una mayor relevancia pues retrata el comienzo del conflicto bélico entre Rusia y Ucrania y sus consecuencias entre estos jóvenes y que aún continúa. "Imagínate ser un migrante cubano, con poca información, con poco capital, material y cultural, al otro lado del mundo a menos 20 grados. Huyendo para buscar un mejor futuro y se encuentran con un pantano", nos afirmó Yero durante esa entrevista.

Cuban Cinema Without Borders se exhibe hasta el 16 de noviembre. $14

La Cocina (2024)

Esta coproducción méxico-estadounidense, bajo la dirección y guion de Alonso Ruizpalacios, quien ha realizado A Cop Movie (2021), Museo (2018) y Güeros (2013), revela los sueños (o las pesadillas) y la desesperación de lo que significa trabajar en uno de los restaurantes más concurridos de Times Square. Protagonizada por los excelentes Raúl Briones (A Cop Movie, El Norte sobre el Vacío) y Rooney Mara (Woman Talking, Her, The Social Network, entre otras), La Cocina asegura su creador surge de su experiencia al trabajar en un restaurante en Londrés durante sus días de estudiante por allá, así como de la puesta en escena The Kitchen (1957) de Arnold Wesker.

A principios de año la cinta se estrenó en Berlín y tuvo su paso por Tribeca, sin mucho afán según se aprecia en las reacciones pero con buenos comentarios en general. Ya les contaremos más, mientras tanto, Ruizpalacios estará mañana viernes y sábado en un cine del Bajo Manhattan para una sesión de preguntas y respuestas al finalizar la función de las 7:00 pm. La próxima semana se estrena en Los Angeles, San Francisco y Chicago.

East Village Cinemas (181-189 Second Ave. ) $18 | AMC 25 Times Square (234 W 42nd St.) $14-18

Voto Latino 2024

El pasado martes PBS, la cadena televisiva pública de Estados Unidos, estrenó este documental, bajo la dirección de Bernardo Ruiz, director ampliamente conocido por los filmes El Equipo (2023), Temporada de Cosecha (2019) y Reportero (2012), entre otros. De una hora de duración, Voto Latino 2024 detalla la participación y motivación electoral de la comunidad latina en algunos de los estados más competitivos como Arizona y Pensilvania.

PBS decidió proyectarlo tanto en su sitio web, así como en youtube y pues aquí lo tienen abajo. Vota Latino 2024 es una excelente opción para aquellos que aún no deciden su voto o simplemente para quienes viven fuera de nuestras fronteras (esperemos que se pueda ver) y están curiosos del proceso electoral, así como de entender el papel que jugará nuestra comunidad en un par de semanas cuando se renueve la presidencia.

El Sueño de la Sultana (2023)

¿Animación hecha por mujeres? El número de directoras en este rubro es extremadamente bajo, sabemos de varias en el área de cortos y muy pocas en largometrajes, así que cuando nos dijeron que en Los Angeles se estrenaría una película en coproducción con España de donde es su directora, no dudamos en checar. Estamos hablando de El Sueño de la Sultana, dirigida por Isabel Herguera, que trata sobre una utopía femenina en la India. No sabemos si esta plaza es la primera de varias que tendrá el filme, o si bien su exhibición es solo un trámite para poder calificar y así ser considerada para la contienda por una nominación para Mejor Película Animada en la fiesta del Oscar, sea cual fuera el motivo esperamos más noticias de este animado.

Se estrena mañana en Los Angeles en los cines Laemmle (Town Center).

Continúan en Cines

• La edición décimosexta del Festival de Cine Latino de San Francisco Cine+Más sigue con un programa diverso en donde los documentales tienen fuerte presencia. La fiesta fílmica comenzó el pasado 11 de octubre, y de lo que todavía se puede disfrutar sobresale el tributo que se le rendirá a la directora Lourdes Portillo, quien falleció en abril de este año en San Francisco. Por tal motivo se proyectará su clásico Señorita Extraviada (Missing Young Woman, 2001), un documental que a pesar de los años sigue vigente. Asimismo se presenta Igualada (Colombia, 2024), del director Juan Mejía Botero, la cual seguimos sin ver y además de varios programas temáticos de cortometrajes. El festival termina el 3 de noviembre. Para horarios y boletos aquí.

• Si bien nos la perdimos durante su exhibición en Nueva York, Borderland the Line Within, el nuevo documental de Pamela Yates sobre la migración en este país sigue con su gira Los Abrazos, que la llevará a los estados de Nuevo México y Washington. El 27 y 30 de octubre se exhibe en Pickford Film Center, en Bellingham, Washington. En tanto, en Santa Fé, Nuevo México los días 25, 26 y 27 de octubre, Yates y el productor Paco de Onís tendrán sesiones de preguntas y respuestas al finalizar las funciones de Borderland the Line Within, la cual se proyecta hasta el 31 de octubre en el Center for Contemporary Arts. Para boletos e información aquí.

Próximos Estrenos y Eventos

• Emilia Pérez (Francia, 2024), el musical en español del director francés Jacques Audiard llega a solo un par de cines en Los Angeles y Nueva York, el 1 de noviembre.

• El Festival de Cortometrajes Latino Corto Circuito, celebra 20 años de trayectoria ininterrumpida en Nueva York. La cita es del 6 al 8 de noviembre.

• In the Summers (USA, 2024) llega el 5 de noviembre a las plataformas de video en demanda.

Hace unas semanas durante su presentación mundial en San Sebastián, la directora chilena Maite Alberdi, aseguró que con El Lugar de la Otra (Chile, 2024), su incursión en el mundo de la ficción buscaba reivindicar ‘el derecho a ser mala’. Bajo esa premisa y de los temas centrales que maneja: crimen, usurpación y obsesión femenil, uno pensaría que quizás estamos ante un nuevo giro sudamericano de La Otra (1946) con la inolvidable Dolores Del Río, o de los clásicos noventeros de The Talented Mr. Ripley (1999) y Single White Woman (1992), o ya de perdis algo que nos recuerde a la grande Bette Davis en A Stolen Life (1946) o en el refrito de La Otra, la deliciosa Dead Ringer (1964). Sin embargo, la realidad es otra. Estamos ante un drama cuyo principal crimen raya en lo convencional, sin sobresaltos, pulcro y sin ningún misterio.

Así nos encontramos con Merceditas, Meche o Mercedes (Elisa Zulueta), quien se desempeña como secretaria de un juez que lleva el caso de uno de los asesinatos que conmocionó al Santiago (capital chilena) de los años 50. Meche está casada con un hombre que ronca todos los días, tienen un estudio fotográfico y dos hijos adolescentes que no la respetan y la dejan prácticamente sin comida. La familia vive prácticamente a oscuras porque ante el filtro de Netflix —y un recurso cada vez más usado en el cine latinoamericano—, la distinción y jerarquía de la sociedad se percibe a través de la iluminación en la morada.

Alberdi, quien ha asegurado que esta producción fue un ‘encargo’ de Netflix, dirige un guion lejos de su autoría que se basa en hechos reales poco definidos. El crimen en cuestión es la muerte de un hombre joven a manos de su amante ya entrada en años, la escritora María Carolina Geel (Francisca Lewin), que se lo despacha de cinco tiros enfrente de la burguesía chilena asidua a este restaurante de un hotel exclusivo. Una vez que la famosa experta en letras ha sido detenida en el lugar de los hechos, alguien tiene que traerle ropa y artículos personales para estar presentable ante el juzgado y los doctores que la evaluarán por cuestiones mentales. Merceditas ha sido testigo y con tremendo asombro de la detención de Geel, así que no duda en ofrecerse en realizar dicha tarea. A diferencia de su hogar, este departamento es seductor, postmoderno, con tina y completamente iluminado de techos altos, lleno de plantas tropicales tipo Brooklyn, claro menos crudo.

Así comienza una delicada pero fructífera obsesión por el estilo de vida, las pertenencias, los secretos y el conocimiento que percibe de una mujer independiente, culta, de buen vestir y aparentemente sin responsabilidades hogareñas. A medida que el juez se demora con el juicio en contra de la escritora, quien no ha negado su acción criminal, pero no ha confesado los motivos que la orillaron a semejante hecho, Meche comienza a usurpar no solo el hogar sino la personalidad de Geel. El perfume, la vestimenta, los libros, la soltura con la que se desarrolla y su presencia al caminar por las calles adoquinadas del Centro Histórico de Santiago, revelan a otra mujer. Ahora de manera sútil, Meche comienza a levantar la voz, exigir respeto y autodeterminación sobre todo en su casa.

Si bien es evidente lo que adquiere en sus ilícitas visitas, cabe preguntarse ¿cuál es la misión de Mercedes como personaje principal, a qué nos está invitando? ¿A descubrir las razones ocultas por las que Geel mató a su amante? ¿Comprobar que Geel trató de imitar a su escritora favorita María Luisa Bombal, quien años atrás intentó asesinar a su amante? ¿A fantasear con los privilegios y la libertad económica del uno por ciento de la población, cuya estructura social de su país la tiene sometida? ¿Será que estamos ante un prototipo de arribista de los 50 o una aspiracionista buena ondita del 2000, que niega ver su realidad o sus orígenes?

Basado en el libro Las Homicidas de la escritora chilena Alia Trabucco Zerán, la primera película de ficción de Alberdi, se concentra solo en el perfil de Geel, de cuatro que lo integran. Al inventar un personaje protagónico (Mercedes), que carece de perspectiva al no elevar sino restringir la historia real de la escritora así como de los motivos del asesinato (un hecho complejo pero fascinante), la cinta sufre de un problema de identidad al no encontrar un estilo y tono preciso. Es un hecho que el guion pretende llevarnos a un despertar de conciencia de género de esa época con una mirada actual, a la par de un drama criminal tibio que ignora cuestionar al elefante en la habitación.

Aunque existen momentos amenos e interesantes en la trama, algunos de estos son desaprovechados, carecen de clímax o simplemente son poco explorados por las guionistas. Por ejemplo, el más doloroso viene cuando Merceditas tiene que ir a la ‘cárcel’ para documentar los ‘lujos’ con que vive Geel. Aquí conoce a Rosa, una señora que le pide una foto. Quizás porque es de apariencia indígena y le es inferior, o simplemente no puede perder ninguna exposición —su rollo fotográfico solo tiene para 12, como se lo advirtió su marido—, pretende hacerlo. Una vez que se da cuenta que Geel no la ve como su par sino como la señorita de los cigarrillos, a pesar de haberle dicho su nombre, se marcha no sin antes tomarle a distancia una foto a Rosa. Mientras Geel continúa con su trabajo, de hecho escribe un libro durante su detención Cárcel de Mujeres y tiene una ‘celda’ propia, Rosa tiene que barrer y tal vez vivir con más reclusas y carente de representación legal.

Estas breves pero sustanciosas interacciones dan pauta a una reflexión de empatía y de conciencia en Meche, siendo la cuestión de clases uno de los temas centrales y que se pretende ignorar. Sabemos que ella no puede entrar a ciertos lugares, que desea un espacio personal y quizás vivir con algunos de los privilegios y libertad financiera que percibe de la escritora, pero al conocer a Rosa y escuchar su historia sabe que hay estructuras más difíciles de vencer. Y es aquí irónicamente cuando el título del filme en inglés hace eco con mucho más sentido: “In Her Place.” En ese contexto, la mejor línea de diálogo en toda la película —a pesar de su mirada feminista—, proviene de un hombre al interpretar las acciones de Meche, quien no puede articular esos sentimientos: "los que estamos aburridos de ser nosotros, necesitamos ir a donde podamos ser nadie".

Pese a los problemas en la construcción de su personaje, Zulueta cumple con el paquete de Mercedes, al reflejar a la mujer trabajadora de clase media (más no proletaria como se pretende hacer creer) de esa época con una vulnerabilidad y curiosidad cercana. En términos generales, salvo unos terribles y nublados flashbacks, la cinta funciona con una producción cuidada que se esmera mucho más en su estética que en la propia historia. Alberdi con sus dos nominaciones al Oscar, no logra encontrar la sensibilidad y el impacto visual que para muchos alcanzó con sus documentales El Agente Topo (2020) o La Memoria Infinita (2023), cuya invitación al debate eran instantáneos. Cuando comienzan los créditos finales vemos su instinto documentalista asomarse en la pantalla chica, vía recortes de periódicos sobre los verdaderos crímenes ocurridos. ¿Acaso aquí estaba la verdadera historia que merecía ser contada y sin intermediarios? El filme prescribe como lo que siempre se planteó: un ‘encargo’ para el abundante catálogo de su empresa.

El Lugar de la Otra se encuentra disponible a nivel mundial en Netflix.

La edición número 62 del Festival de Cine de Nueva York (NYFF, por sus siglas en inglés), aterriza mañana y para este año tienen la difusión de seis largometrajes latinoamericanos. Además traen lo último de Pedro Almodóvar, Albert Serra y Pablo Larraín, así como el musical-narco francés de Emilia Pérez. Si bien en otras ediciones nos hemos quejado de la escasa participación latinoamericana, para este 2024, las cosas han cambiado un poco.

Entre lo más destacable tenemos el regreso de Walter Salles con I’m Still Here (2024), y Pepe (2024), un docu-ficción sobre un hipopótamo en Colombia y ganador del premio al Mejor Director del reciente Festival de Berlín y quizás la primera producción dominicana en aparecer en el NYFF. El gigante sudamericano no solo se conforma con la presencia de Salles, sino que tiene dos producciones más en la muestra: Transamasonia (2024) y el documental Apocalypse in the Tropics (2024).

Cabe señalar que I’m Still Here representará a Brasil en busca de una nominación al Oscar el próximo año. También destacan los prolíficos y jóvenes cineastas, Nicolás Pereda y Matías Piñeiro. La gran mayoría de los directores estarán presentes en algunas de sus funciones. Para mayor información sobre los horarios y boletos, aquí. El NYFF se desarrolla hasta el 14 de octubre.

Programa Principal

• The Room Next Door (España, 2024), Pedro Almodóvar. 106 min. Sony Pictures Classics.

• Pepe (República Dominicana/Namibia/Alemania/Francia, 2024), Nelson Carlos de los Santos Arias. 123 min.

• Transamasonia (Francia/Alemania/Suiza/Germany/Taiwan/Brasil, 2024), Pia Marais. 112 min.

Sección Spotlight

• Tardes de Soledad (España, 2024), Albert Serra. 123 min.

• Apocalypse in the Tropics (Brasil/USA/Dinamarca, 2024), Petra Costa. 110 min.

• Emilia Pérez (Francia, 2024), Jacques Audiard. 132 min. Netflix.

• I’m Still Here (Brasil/España, 2024), Walter Salles. 135 min. Sony Pictures Classics.

• María (Italia/Alemania/USA, 2024), Pablo Larraín. 122 min. Netflix.

Currents

• Lázaro de Noche (Canadá/México, 2024), Nicolás Pereda. 76 min.

• Tú me Abrasas (Argentina/España, 2024), Matías Piñeiro. 64 min.

Continúan en Cines

• Borderland | The Line Within (USA, 2024). El nuevo documental de Pamela Yates, tendrá presentaciones únicas en Phoenix y Túcson, Arizona, al igual que en el Festival de Cine de El Paso, Texas. Más información aquí.

• Eureka (Argentina/Francia/Portugal/México/Alemania, 2023). Terminó su exhibición en Nueva York, pero mañana se proyecta en Now Instant Image Hall de Los Angeles, la más reciente producción del argentino Lisandro Alonso.

• In the Summers (USA, 2024). Comienza su segunda semana la ópera prima de Alessandra Lacorazza, en el IFC Center (323 Sixth Avenue, $18), además en varias locaciones de Laemmle en Los Angeles, en el Roxie Theater de San Francisco, en el Music Box Theater de Chicago y en Kansas City, San Antonio y Austin, Texas, entre varias más.

• Cerrar los Ojos (España, 2023). Sigue con su expansión en Speed Art Museum Louisville, Kentucky; The Clairidge, en Montclair, Nueva Jersey y Pickford Film Center Bellingham, Washington.

Septiembre se caracteriza por ser uno de los meses más activos en cuanto a actividades artísticas en nuestra comunidad en Estados Unidos. Al igual que México, varios países latinoamericanos celebran su independencia durante este mes y para encuadrar todo eso, aquí han tratado de instaurar una conmemoración (con el nombre equivocado) dedicada a sentirnos especiales e importantes, aún cuando políticamente carecemos de ese poder. No obstante, gracias a estas acciones culturales, tenemos una extensa lista de eventos pasando Este Fin y en los próximos días.

In the Summers (2024)

Después de ganar uno de los principales premios en el Festival de Sundance, In the Summers (USA, 2024), la ópera prima de la directora estadounidense colombiana, Alessandra Lacorazza, por fin llega hoy en Nueva York, Los Angeles y Puerto Rico. El drama familiar, que Music Box Films se encarga de distribuir, trata sobre los veranos que pasan dos adolescentes y su relación a través de los años con su padre, quien es interpretado por el cantante Residente en su debut como actor. Próximamente en Chicago y San Francisco.

IFC Center (323 Sixth Avenue). $18 | Laemmle Royal (Los Angeles).

Eureka (2023)

Luego de una ausencia de 10 años, el cineasta argentino Lisandro Alonso, regresa con su más reciente filme Eureka (Argentina/Francia/Portugal/México/Alemania, 2023), una ambiciosa multiproducción que envolvió varias locaciones, así como actores (Viggo Mortensen, Alaina Clifford y Chiara Mastroianni). El director de La Libertad (2001), Los Muertos (2004), Fantasma (2006), Liverpool (2008) y Jauja (2014), presenta un filme sobre las comunidades indígenas de nuestro continente. Eureka tardó casi un año en conseguir distribución en este país, pero ahora Film Movement la estrena en tres ciudades del país, y promete una expansión en las próximas semanas.

Cleveland Cinematheque Cleveland, Ohio.

American Cinematheque Los Angeles, California.

Metrograph Nueva York, NY.

AFI Latin American Film Festival

Uno de los festivales de cine latinoamericano más completos de Estados Unidos, es sin duda, el que acontece en la capital del país. El AFI Latin American Film Festival que comenzó anoche y se lleva a cabo hasta el 10 de octubre, siempre mantiene un balance saludable de lo que está aconteciendo en la región, además de las producciones estadounidenses con narrativas/interés de nuestra comunidad.

Como cada año su programa está lleno de excelentes propuestas, por ejemplo de las muestras de Cannes y Berlín, tienen a Motel Destino (Brasil, 2024) y Pepe (República Dominicana, 2024), respectivamente. Tampoco podemos ignorar el empuje que otorgan a los próximos estrenos nacionales: In the Summers (arriba), La Cocina (México/USA, 2024), Sujo (México, 2024) y Borderline | The Line Within (USA, 2024). Varias de las representantes al Oscar para el próximo año, también pasarán lista: La Suprema (Colombia, 2024), Memorias de un Cuerpo que Arde (Costa Rica, 2024) y posiblemente Reinas (Suiza, 2024) y Rita (Guatemala, 2024). Una imperdible muestra sobre el actual panorama del cine latinoamericano para quienes viven en la capital del país.

Miscelánea Cinematográfica

Muestras, presentaciones especiales y recomendaciones.

• Cinema Túcson está de regreso este 25 de septiembre con Llévame en tus Brazos (México, 1954) con la inolvidable Ninón Sevilla. Después de su éxito en Nueva York, esperamos que la cinta de Julio Bracho viaje a otras ciudades del país.

• Hoy comienza el Hola México Film Festival, en Los Angeles, California. La muestra abre con la película Casi el Paraíso (México/Italia/USA, 2024), y se proyectan más de una veintena de producciones mexicanas hasta el 27 de septiembre.

• La muestra Hasta la Raíz, se proyecta hasta el 13 de octubre, en el Academy Museum de Los Angeles, California.

• El New York Latino Film Festival, sigue con varias proyecciones internacionales así como su programa de cortometrajes hasta el 22 de septiembre.

• La cadena pública PBS presenta el documental Julia Alvarez: A Life Reimagined (USA, 2024) sobre la escritora dominicana estadounidense y está disponible en su sitio.

• 20,000 Especies de Abejas (España, 2023), de Estibaliz Urresola Solaguren, llega hoy a tu sistema favorito de video en demanda.

• La ganadora del Oscar, Roma (México, 2018), Alfonso Cuarón, tiene una presentación especial este 25 de septiembre en Violet Crown Cinema, Austin, Texas.

• Cerrar los Ojos (España, 2023), de Víctor Erice, llega hoy al Detroit Institute of Arts (Detroit, Michigan), The Colonial Theatre (Phoenixville, Pennsylvania) y el 23 de septiembre al Austin Film Society, en Austin, Texas.

Recién el miércoles publicamos nuestra guía cinematográfica para este otoño, cuando ya tenemos que hablar de los eventos que comienzan hoy viernes. Primero tenemos la retrospectiva de cine brasileño, cuyo foco esencial es el aporte artístico que durante los últimos 60 años ha venido realizando la compañía productora L.C. Barreto Film Productions, de la cual está al frente el reconocido director Bruno Barreto, a quien muchos deben recordar por Doña Flor y sus Dos Maridos (1976) y Cuatro Días en Septiembre (1997), mismas que se proyectan durante esta serie.

Organizada por Film at Lincoln Center y Cinema Tropical, Isso é Brasil, Cinema According to L.C. Barreto Productions, es una retrospectiva de 13 películas, que lo mismo incluye algunos de los clásicos del gigante sudamericano (Bye Bye Brasil, Vidas Secas), nominadas al Oscar (O Quatrilho) y hasta unas joyas no muy conocidas en este país (Memoirs of Prison). La gran mayoría viene con sendas restauraciones, cuya exhibición se realizará hasta el 15 de septiembre. A continuación el tráiler de la serie, muy bueno por cierto, así como el listado de las participantes y sus respectivos horarios. Saúde!

• Doña Flor y sus Dos Maridos (Brasil, 1976), Bruno Barreto. 117 min.

*6 de septiembre, 6:00 pm. | 10/09, 2:45 pm. | 14/09, 9:00 pm.

• Vidas Secas (Brasil, 1963), Nelson Pereira dos Santos. 100 min.

**7/09, 3:15 pm. | 13/09, 6:30 pm.

• Bye Bye Brasil (Brasil/Argentina/Francia, 1980), Carlos Diegues. 103 min.

*7/09, 6:00 pm. | 11/09, 3:45 pm. | 13/09, 9:00 pm.

• A Hora e Vez de Augusto Matraga Sagarana (Brasil, 1965), Roberto Santos. 109 min.

**7/09, 8:45 pm. | 12/09, 4:00 pm. | 15/09, 6:00 pm.

• Four Days in September (Brasil, 1997), Bruno Barreto. 90 min.

*8/09, 5:00 pm. | 12/09, 5:00 pm. | 12/09, 8:30 pm.

• Amor Bandido (Brasil, 1979 ), Bruno Barreto. 90 min.

**8/09, 8:00 pm. | 12/09, 8:30 pm.

• Reaching for the Moon (Brasil, 2013), Bruno Barreto. 115 min.

***9/09, 6:00 pm. | 13/09, 4:00 pm. |

• Garrincha, the People’s Joy (Brasil, 1963), Joaquim Pedro de Andrade. 61 min.

8/09, 3:00 pm. | 14/09, 4:30 pm.

• Entranced Earth (Brasil, 1967), Glauber Rocha. 108 min.

6/09, 9:00 pm. | 11/09, 6:00 pm. | 14/09, 6:30 pm.

• This is Pele (Brasil, 1974), Luiz Carlos Barreto & Eduardo Escorel. 70 min.

10/09, 5:15 pm. | 15/09, 8:30 pm.

• Memoirs of Prison (Brasil, 1984), Nelson Pereira dos Santos. 188 min.

10/09, 7:00 pm | 15/09, 2:00 pm.

• O Quatrilho (Brazil, 1995), Fábio Barreto. 114 min.

9/09, 9:00 pm. | 14/09, 2:00 pm.

• The Middle of the World (Brasil, 2003), Vincente Amorim. 85 min.

9/09, 4:00 pm. | 12/09, 6:15 pm.

*Sesión de preguntas y respuestas con Bruno Barreto y la productora Lucy Barreto. **Solo introducción (ambos). *** Bruno Barreto y guionista Matthew Chapman.

Film at Lincoln Center (144 W. 65th St.) $12 - $17. 

Mexican Noir en Omaha

La ciudad de Omaha, en el centro oeste del país, parece estar en las noticias últimamente (por su peso político en las próximas elecciones presidenciales), y también en cuanto a Nuestro Cinema. Me gusta ver el entusiasmo y organización que una muestra de cine noir mexicano está generando en esta mediana metrópolis, que cuenta con una saludable comunidad mexicana con arraigo.

Films Streams ha organizado Mexican Noir, una serie que incluye la exhibición de cinco clásicos de este subgénero de la Epoca de Oro del cine mexicano. Además hoy en su noche inaugural cuentan con la presencia del director y ganador al Oscar, Alexander Payne, nativo de Omaha, y Daniela Michel, directora fundadora del Festival Internacional de Cine de Morelia, para hablar del legado de La Otra (México, 1946), dirigida por Roberto Gavaldón y que tiene una protagonista de lujo: Dolores Del Río. Hace unos meses, esta película volvió a las noticias cuando se rumoró que Isabelle Huppert, la actriz francesa, haría una nueva versión (al igual que Bette Davis en Dead Ringer) de la historia de Gavaldón y José Revueltas. No podemos comfirmar lo anterior, pero lo que sí sabemos es que esta muestra comienza hoy y termina el 3 de octubre.

• La Otra (México, 1946), Roberto Gavaldón. Charla con Michel y Payne al finalizar la función. 6 de septiembre, 7:00 pm.

• En La Palma De Tu Mano (México, 1951), Roberto Gavaldón.

  8 y 12 de septiembre.

• La Noche Avanza (México, 1952), Roberto Gavaldón.

  14 y 19 de septiembre.

• Distinto Amanecer (México, 1943), Julio Bracho.

  21 y 26 de septiembre.

• La Diosa Arrodillada (México, 1947), Roberto Gavaldón.

  28 de septiembre y 3 de octubre.

Todas las funciones se realizan en el Teatro Dundee. Para más información y horarios, aquí.

Continúan en Cines

Cerrar los Ojos (España, 2023), Víctor Erice. 169 min. Film Movement.

Si bien todavía no hemos visto el más reciente filme de Erice, parece que le está yendo muy bien y sigue con su expansión a lo largo y ancho del país, y en algunas ciudades de Canadá. Como antesala para Cerrar los Ojos, recientemente checamos El Espíritu de la Colmena (1973) por primera vez en 25 años, y creo que no estábamos preparados para tal suceso. Aquí lleva tres semanas en el Film Forum, así que la veremos pronto. Ciudades donde se exhibe actualmente:

Upstate Films Starr Cinema, Rhinebeck NY

CCA Cinematheque, Santa Fe (Nuevo México)

SIFF Film Center Seattle

ByTowne Cinemas, Ottawa; Cinema du Parc, Cinéma du Musée, Montreal, Canadá.

Laemmle Glendale, Glendale; Lumiere Music Hall, Beverly Hills; SBIFF Riviera Theatre, Santa Barbara, California.

Portland Museum of Art, Portland (Maine)

Belcourt Theatre, Nashville (Tennessee)

Harris Theater Pittsburgh (Pennsylvania)

Comenzó septiembre y con ello, se nos viene el otoño y eso también significa que después de los incipientes estrenos veraniegos ahora sí vienen las películas que importan. Y como ya es una tradición aquí hemos preparado una guía con lo más anticipado que se viene de nuestra región.

Si bien la lista de estrenos, hasta hoy, no es tan robusta como en años anteriores, habrá varios festivales y retrospectivas de costa a costa que merecen ser vistos. Obviamente que Ciudad Gótica y Los Angeles, acaparan la mayoría de eventos que el séptimo arte tiene que ofrecer, no obstante hemos compilado una lista que incluye las ciudades de Omaha, Miami, Minneapolis, Austin, Atlanta y Washington, DC.

¿Y qué nos intriga y emociona de esta guía? En cuanto a los estrenos, sin duda Pedro Páramo (2024), el debut del director de fotografía mexicano Rodrigo Prieto, está en el número uno de nuestra lista. Si bien Netflix ya anunció que se va directamente a la plataforma, esperamos que lo exhiban aunque sea por una semana en la pantalla grande, ya que el anticipo visual tiene buena pinta. La cinta está basada en el libro clásico de Juan Rulfo, lectura obligada para muchos estudiantes en México, al menos de mi generación.

Otro filme para esta temporada otoñal es Emilia Pérez (2024), también de la misma compañía y que ya está siendo considerada por muchos como una de las estelares para la próxima entrega de los Oscares. ¿Será? Tampoco podemos dejar de lado a Rita (2024), la nueva cinta de Jayro Bustamante (La Llorona, Ixcanul), quien nos ha sorprendido con sus trabajos anteriores.

Ya daremos más pormenores de cada uno de los eventos a continuación en nuestra sección semanal Este Fin, mientras eso sucede, veamos que viene en los próximos cuatro meses. Si olvidamos algún evento, ya saben que nos pueden mandar un correo a cinelatinony@gmail.com y actualizaremos la guía.

Estrenos

• **El Candidato Honesto (México, 2024), Luis Felipe Ybarra. 96. min. Cinematica Media, 6 de septiembre.

• Bajo Terapia (España, 2024), Gerardo Herrera. 113 min. Outsider Pictures, 13 de septiembre.

• **Borderland | The Line Within (USA, 2024), Pamela Yates. 110 min. 13 de septiembre.

• Eureka (Argentina/Francia/Portugal/México/Alemania, 2023), Lisandro Alonso. 147 min. Film Movement, 20 de septiembre. 

• In the Summers (USA, 2024), Alessandra Lacorazza. 95 min. Music Box Films, 20 de septiembre.

• La Cocina (México/USA, 2024), Alonso Ruizpalacios. 139 min. Willa, 25 de octubre.

• Emilia Perez (Francia, 2024), Jacques Audiard. 130 min. Netflix, 1 de noviembre.

• *Sujo (2024, México/Francia/Estados Unidos), Astrid Rondero y Fernanda Valadez. 125 min. The Forge, 29 de noviembre.

• **Reinas (Suiza/Perú/España), Klaudia Reynicke. 104. min. Outsider Films, 29 de noviembre.

Plataformas de Televisión por Internet y Video en Demanda

• 20,000 Especies de Abejas (España, 2023), Estibaliz Urresola Solaguren. 128 min. Film Movement, 20 de septiembre.

• En su Lugar (Chile, 2024), Maite Alberdi. 89 min. Netflix, 11 de octubre.

• **Estado de Silencio (México, 2024), Santiago Maza. 83 min. Netflix, 17 de octubre.

• Pedro Páramo (México, 2024), Rodrigo Prieto. 130 min. Netflix, 6 de noviembre,

• Emilia Pérez (Francia, 2024), Jacques Audiard. 130 min. Netflix, 13 de noviembre.

• Rita (Guatemala/USA), Jayro Bustamante. 107 min. AMC+, 22 de noviembre.

 Retrospectivas y Presentaciones Especiales

• Isso é Brasil, Cinema According to L.C. Barreto Productions, del 6 al 15 de septiembre, en Film at Lincoln Center.

• Mexican Noir, del 6 de septiembre al 3 de octubre, en Films Streams, Omaha, Nebraska.

• **Kenia (México, 2022), Gisela Delgadillo. 14 de septiembre, en Firehouse DCTV.

• Hasta la Raíz, del 16 de septiembre al 13 de octubre, en Academy Museum de Los Angeles, California.

• Roma (México, 2018), Alfonso Cuarón. 25 de septiembre en Violet Crown Cinema, Austin, Texas.

• El Bruto (México, 1953), Luis Buñuel. 3 y 14 de octubre, en Anthology Film Archives.

• Cuban Cinema Without Borders, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (BAMPFA), del 23 de octubre al 16 de noviembre.

• Belchior: Apenas um Coração Selvagem (Brasil, 2022), Camilo Cavalcanti, Natália Dias. 17 de noviembre, en Cinema Village.

Festivales 

• New York Latino Film Festival, del 15 al 22 de septiembre.

• AFI Latin American Film Festival, Washington, DC. 19 de septiembre al 10 de octubre. 

• Hola México Film Festival, del 20 al 27 de septiembre en Los Angeles, California.

• Festival de Cine de Nueva York, del 27 de septiembre al 14 de octubre.

• Georgia International Latino Film Festival, del 25 al 29 de septiembre.

• Cine Latino Film Festival de Minneapolis, Minnesota, del 9 al 13 de octubre.

• Doc NY, Festival de Cine Documental en Nueva York, del 13 de noviembre al 1 de diciembre. 

• **Festival de Cortometrajes Latino Corto Circuito, en Nueva York del 6 al 8 de noviembre.

  
  

*Actualización 7/09/24

**Actualización 11/09/24

Mientras seguimos disfrutando del opresivo verano en Nueva York, los estrenos latinoamericanos han casi desaparecido de la cartelera, así que nos dimos a la tarea de encontrar algunas recomendaciones en las plataformas de televisión por Internet que realmente valgan la pena. ¿Qué tenemos para Este Fin y los subsecuentes días? Una retrospectiva de uno de los jóvenes cineastas promesas de México, historias cubanas en el East Village y un filme que sigue recorriendo las salas de cine.

Retrospectiva de Juan Pablo González

Al momento de buscar algo interesante y nuevo para esta columna en las múltiples plataformas televisivas que tenemos aquí, nos encontramos con que Criterion estrenó este mes los filmes de este joven cineasta, quien hace un par de años nos sorprendió con su ópera prima Dos Estaciones (Cinema Guild, 2022). En su momento dijimos que se trataba de “un filme íntimo y de detalles visualmente embriagantes que confrontan las realidades de un cambio climático, económico y social desde la perspectiva de género en un rincón rural del estado de Jalisco, en México”.

Es “un drama contemplativo que se centra en María García —encarnada por la excelente e irreconocible actriz Teresa Sánchez, a quien recordamos en La Camarista (2019)—, dueña de una fábrica de tequila, una de las pocas que permanecen en manos mexicanas.” Además de este gran debut, Criterion Channel también presenta el mediometraje Caballerango (2018), y los cortos Las Nubes (2017), La Espera (2016) y ¿Por qué el Recuerdo? (2014). Las historias íntimas de González y poco contadas en el cine nacional, se centran en el estado de Jalisco, su lugar de nacimiento y lejos de las comedias rancheras y percepciones que se tengan de la tierra del mariachi y tequila.

Criterion Channel (requiere subscripción)

Historias Cubanas: Festival de Cine Insula

Después del Festival de Cine de la Habana en Nueva York, que se celebró el pasado mes de abril, no volvimos a escuchar nada sobre cine cubano, hasta que la Anthology Film Archives nos informó sobre una pequeña muestra de cine que incluye directores cubanos y estadounidenses con historias relacionadas a la isla caribeña. En colaboración con el Cuban Cultural Center of New York, se presentan ocho largometrajes, de los cuales algunos ya han pasado por Ciudad Gótica. No obstante, para aquellos que se perdieron la noche inaugural del HFFNY (por sus siglas en inglés), se vuelve a exhibir La Mujer Salvaje y The Padilla Affair, cuya presentación corrió a cargo de Las Premieres (Museum of Moving Image) hace algunos meses. A continuación la lista de las participantes, así como los horarios.

• Hermanas del Corazón (2024), Gloria Rolando. 180 min.
  22 de agosto, 7:00 pm.

• Mujeres que Sueñan un País (2024), Fernando Fraguela Fosado. 87 min.
  16/08, 6:30 pm. | 19/08, 8:45 pm.

• Corazón Azul (2021), Miguel Coyula. 104 min.
  16/09, 9:00 pm. | 21/08, 6:30 pm.

• The Old Man and the Sea (USA, 1958), John Sturges. 87 min.
  17/08, 3:45 pm. | 19/08, 6:30 pm.

• Before Night Falls (USA, 2000), Julian Schnabel. 135 min.
  17/08, 6:00pm. |18/08, 3:30 pm.

• The Padilla Affair (España/Cuba, 2022), Pavel Giroud. 78 min.
  17/08, 9:15 pm. | 20/08, 6:45 pm.

• La Mujer Salvaje (Cuba, 2023), Alán González. 93 min.
  18/08, 6:45 pm. | 21/08, 9:00 pm.

• La Habana de Fito (Cuba, 2023), Juan Pin Vilar. 62 min.
  18/08, 9:00 pm. | 20/08, 8:45 pm.

Anthology Film Archives (32 Second Ave.) $8-14

Continúan en Cines

Como ya la habíamos dicho, la cinta Crónicas de una Santa Errante (2023) del argentino Tomás Gómez Bustillo, fue una de las sorpresas en la entrega de los premios Spirit de este año, y después de un respetable estreno en Los Angeles y Nueva York, para quienes quienes no desean dejar su casa, hoy llega a través de la plataforma Vudu ($8-10). Sin embargo, la divertida fábula, distribuida por Hope Runs High, sigue con su itinerario mágico en los siguientes cines:

Harris Theatre: Pittsburgh, Pensilvania, hasta el 22 de agosto.

Cincinnati World Cinema, Cincinnati, Ohio del 22 al 24 de agosto

The Denizen, New Paltz, Nueva York del 23-24/08.

Theater N, Wilmington, Delaware del 24-25/08

Próximo Estreno

23 de agosto

Cierra tus Ojos (España, 2023), Víctor Erice. 169 min. 

TIFF Bell Lightbox: Toronto, Canadá

Gene Siskel Film Center: Chicago, Illinois

Film Forum: Nueva York, NY

En una visita el año pasado durante las festividades de Día de Muertos en la Ciudad de México, asistí a la exposición dedicada al comediante chilango-fronterizo por excelencia. Tan Tin Tan, un Mexicano del Siglo XXI, título acuñado por el intelectual Carlos Monsiváis es en referencia a que el actor estaba adelantado a su tiempo: lo mismo cantaba que bailaba, era un poeta urbano con un estilo lingüístico único.

La avenida donde se encuentra el hoy Museo Kaluz (Av. Hidalgo 85) y al parecer donde nació Tin Tan, ha sido rehabilitada al igual que esta joven institución cultural y el barrio en general. A principios de siglo, este predio era una vecindad (exacto, como la del Chavo del 8), en donde en 1915 nació Tin Tan y vivió su niñez; décadas más tarde se convirtió en un tipo hotel, Hospedería de Santo Tomás de Villanueva. En pocas palabras, Tin Tan regresó a su casa.

El ahora museo de arte contemporáneo, se localiza en pleno corazón de la colonia Guerrero, y es un edificio muy bello de una arquitectura típica del Centro Histórico. Y como muchos de su tipo, tiene una plaza o patio central (durante mi visita tenían aquí una colorida y monumental ofrenda de Día de Muertos dedicada al cómico mexicano), y en los que solían ser cuartos o habitaciones ahora son las salas de museo.

La exposición temporal contaba con cerca de 200 piezas de alrededor de 25 colecciones públicas y privadas. Entre lo mostrado, y típico de estas muestras de celebridades, no podían faltar los objetos personales (una colección de cámaras interesante), cartas y fotografías del comediante antes de llegar al estrellato, así como memorabilia de los filmes que protagonizó.

Quizás porque creció en Ciudad Juárez, Chihuahua, Tin Tan adoptó el estilo y moda de los mexicoestadounidenses de aquella época, que se decían ser pachucos, una palabra que tenía ciertas connotaciones negativas. Durante muchos de sus diálogos, era común escucharlo tirar una que otra palabra en inglés y otras las adoptó ingeniosamente a nuestra lengua.

Ya para la década de los 60 , la imagen de Tin Tan estaba en decadencia y la calidad de sus películas dejaba mucho que desear. Sin embargo, encontró en el doblaje animado un éxito inusitado entre el público infantil, que muy pocos alcanzaron en ese tiempo. Fue en El Libro de la Selva (1967) y Los Aristogatos (1970), ambas de Disney, que rehabilitaron su imagen y que hasta ahora siguen presentes.

No solo prestó su voz sino que se aventó un par de canciones, que recordamos quienes crecimos en la década de los 80 en la Ciudad de México, ya que este par de películas no faltaban en los repertorios de las matinés infantiles domingueras de varios cines. En otras palabras, forman parte de nuestra iniciación en este mundo al que llamamos séptimo arte.

Aquí una de mis piezas favoritas de toda la muestra, en un claro homenaje a su trabajo dando voz a Baloo, y a su foto más reconocida. Entre sombras y claroscuros, la dualidad entre persona y personaje, siempre es una incógnita.

Al terminar de recorrer los pasillos de la muestra, uno adquiere cierto conocimiento de quién fue Tin Tan, este antihéroe urbano, con un sarcasmo representativo de la capirucha, al que muchos llamaron vulgar y con varias películas mediocres o repetitivas según los críticos, pero nadie puede negar su cercanía con el pueblo; un genio en toda la extensión de la palabra, cuyo principal error fue estar adelantado a su tiempo.